Oct13
Archivo de la categoría: Pintura
Oct8
LA EXPOSICIÓN DE XAVIER ORIACH SOBRE LA «BESTIA DE GEVAUDAN».
http://www.elpuntavui.cat/noticia/article/5-cultura/19-cultura/680618-el-retorn-de-lartista.html
http://ca.wikipedia.org/wiki/Xavier_Oriach_i_Soler
http://www.isabadell.cat/2013/09/el-museu-dart-i-lalianca-francesa-revisiten-xavier-oriach/
http://www.papersdeversalia.com/actualitat/expo_a-pintura_2007mar2/expo_a-pintura_2007mar_esp.html
Jun20
GALERÍA DE PINTURA Y LIBRERIA «MAEGHT» DE BARCELONA.
La historia de Galería Maeght se inicia en Cannes, Francia, cuando en 1936 abrió sus puertas para un exclusivo público. Diez años después abrió sus puertas en Paris y más tarde se abre en Barcelona, dando cabida a muchos artistas que no encontraban cabida en los espacios más convencionales.
Grandes artistas y pensadores han estado ligados a esta galería y su Fundación Marguerite y Aimé Maeght, abierta por André Marraux en 1941 cuando era Ministro de Cultura, quienes trabajaron con el arquitecto catalán Joseph Lluis Sert para construir la galería y dar espacio al arte contemporáneo y al arte menos comercial.
Han sorteado grandes cambios en la sociedad y en el arte, pero son parte de la historia contemporánea de las galerías y el esfuerzo por potenciar la creatividad y expresión de nuevos artistas, así como apostaron por la pintura y la escultura de Miró, las grandes esculturas cinéticas de Calder y la creación sin límite de Picasso y Braque, como las esculturas de Chillida y otros que han expuesto en sus galerías para deleite del público.
Los horarios de atención son de lunes a sábado de 9:30 a 19:00, a excepción del lunes que sólo atiende hasta las 18:00.
Fue en 1936 cuando se abrió en Cannes.La primera «Galerie Maeght» lo hizo en 1946 en París. Y se exhibirán los más grandes artistas internacionales, tanto en francés como Braque, Matisse, Léger, español: Miró, Tàpies o Chillida, los rusos: Chagall, Kandinsky, EE.UU.: Kelly o Calder, Giacometti Suiza:, sino también de cualquier país de Europa y Asia: Bram van Velde, Tapies, Ubac, Tal-Coat, Bazaine, Chillida, Riopelle, Alechinsky Rebeyrolle, Adami, Monory, Ting.
Maeght hoy no es sólo un museo en el sur de Francia, sino también una galería en París y Barcelona.
La Galería Maeght hoy está dirigido por Isabelle Maeght. Las exposiciones ofrecen a los visitantes y compradores el encuentro con obras, pinturas, esculturas o fotografías, así como con artistas históricos de fama internacional y descubrir las obras de nuevos talentos de este tenor: Gerard Gasiorowski, Marco Del Re, Gurbuz Selma, Aki Kuroda, Manolo Valdés, Sufan Oh, Ernst Scheidegger. Yoyo Maeght, a cargo de las empresas de desarrollo y comunicación Maeght Maeght es el director de la editorial que publica muchos libros, reproducciones, láminas y grabados.
Originalmente Maeght abrió una imprenta y pronto se convirtió en editor de libros y grabados. Hoy en día, la tradición se mantiene gracias a Jules Maeght, que acoge y promueve a los artistas la creación de gravados y litografías. Maeght imprime reproducciones cerca de Montparnasse, en París. Todas las técnicas de impresión, desde la más tradicional a la mayor parte de la vanguardia o la tecnología punta están a disposición de los artistas en sus talleres: litografía, aguafuerte grabado o carburo de silicio, punta seca, xilografía, aguatinta , la impresión digital … El sorteo de cada impresión se limita a unas pocas docenas de ejemplares que están numerados y firmados por los artistas. Con 12.000 títulos, Editeur Maeght es reconocido como el mayor editor de litografías y grabados en el mundo.
Genio visionario, Aimé Maeght, 1906-1981, era a la vez un comerciante de arte, editor, productor de cine, coleccionista negrita. Buen pase de su hijo Adrián, el hombre no sólo ha conseguido dar un prestigio excepcional y el estado de la profesión de comerciante de arte, pero también ha desarrollado un apasionado coleccionista y sus actividades como mecenas del arte contemporáneo mediante la creación en el año 1964 , Saint Paul de Vence, la Marguerite y Aimé Maeght Fundación. Este es el primer museo privado construido en Francia de acoger el arte contemporáneo, sino también el primero diseñado con la colaboración de los artistas. 200.000 personas visitan anualmente la Fundación Maeght y sus famosos jardines de esculturas de Miró, Giacometti, Calder, Braque, Chagall y Léger. Exposiciones magistrales de impacto internacional se presentan cada año. Su colección está compuesta por más de 10.000 obras, entre ellas 50 esculturas de Giacometti, 150 esculturas de Miró, el más grande de la pintura de Chagall.Fuente : http://www.maeght.com/histoire/galerie-maeght.html
http://www.maeght.com/editions/
http://ca.wikipedia.org/wiki/Galeria_Maeght
http://www.artnet.com/galleries/
http://www.only-apartments.es/guia/galeria-maeght-barcelona/
Fue en 1936 cuando se abrió en Cannes.La primera «Galerie Maeght» lo hizo en 1946 en París. Y se exhibirán los más grandes artistas internacionales, tanto en francés como Braque, Matisse, Léger, español: Miró, Tàpies o Chillida, los rusos: Chagall, Kandinsky, EE.UU.: Kelly o Calder, Giacometti Suiza:, sino también de cualquier país de Europa y Asia: Bram van Velde, Tapies, Ubac, Tal-Coat, Bazaine, Chillida, Riopelle, Alechinsky Rebeyrolle, Adami, Monory, Ting.
Maeght hoy no es sólo un museo en el sur de Francia, sino también una galería en París y Barcelona.
La Galería Maeght hoy está dirigido por Isabelle Maeght. Las exposiciones ofrecen a los visitantes y compradores el encuentro con obras, pinturas, esculturas o fotografías, así como con artistas históricos de fama internacional y descubrir las obras de nuevos talentos de este tenor: Gerard Gasiorowski, Marco Del Re, Gurbuz Selma, Aki Kuroda, Manolo Valdés, Sufan Oh, Ernst Scheidegger. Yoyo Maeght, a cargo de las empresas de desarrollo y comunicación Maeght Maeght es el director de la editorial que publica muchos libros, reproducciones, láminas y grabados.
Originalmente Maeght abrió una imprenta y pronto se convirtió en editor de libros y grabados. Hoy en día, la tradición se mantiene gracias a Jules Maeght, que acoge y promueve a los artistas la creación de gravados y litografías. Maeght imprime reproducciones cerca de Montparnasse, en París. Todas las técnicas de impresión, desde la más tradicional a la mayor parte de la vanguardia o la tecnología punta están a disposición de los artistas en sus talleres: litografía, aguafuerte grabado o carburo de silicio, punta seca, xilografía, aguatinta , la impresión digital … El sorteo de cada impresión se limita a unas pocas docenas de ejemplares que están numerados y firmados por los artistas. Con 12.000 títulos, Editeur Maeght es reconocido como el mayor editor de litografías y grabados en el mundo.
Genio visionario, Aimé Maeght, 1906-1981, era a la vez un comerciante de arte, editor, productor de cine, coleccionista negrita. Buen pase de su hijo Adrián, el hombre no sólo ha conseguido dar un prestigio excepcional y el estado de la profesión de comerciante de arte, pero también ha desarrollado un apasionado coleccionista y sus actividades como mecenas del arte contemporáneo mediante la creación en el año 1964 , Saint Paul de Vence, la Marguerite y Aimé Maeght Fundación. Este es el primer museo privado construido en Francia de acoger el arte contemporáneo, sino también el primero diseñado con la colaboración de los artistas. 200.000 personas visitan anualmente la Fundación Maeght y sus famosos jardines de esculturas de Miró, Giacometti, Calder, Braque, Chagall y Léger. Exposiciones magistrales de impacto internacional se presentan cada año. Su colección está compuesta por más de 10.000 obras, entre ellas 50 esculturas de Giacometti, 150 esculturas de Miró, el más grande de la pintura de Chagall.Fuente : http://www.maeght.com/histoire/galerie-maeght.html
Abr27
ASÍ ES EL MACBA.,EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BARCELONA .
Desde la década de los 60 se venía incubando y gestionando la idea de la necesidad de un museo de arte especializado en la segunda mitad del siglo XX en laciudad de Barcelona.Después de arreglos y desarreglos, el MACBA se inauguró en Noviembre de 1995 y actualmente está dirigido por Manuel J. Borja-Villel.
Richard Meier es el arquitecto norteamericano que creó el edificio. Es un claroestilo racionalista con las bases concebidas por Le Corbusier. Grandes fuentes de luz natural hacen que los espacios interiores se expandan y se agranden. Las lineas claras y combinación de curvas con rectas, hacen un todo armonioso en una planta estructurada en cuatro espacios cuadrangulares claros, articulados por uno circular que los divide y los organiza .
También forma parte del museo la iglesia del S.XV del convento dels Angels. Es un recinto expositivo de arte contemporáneo singular ya que cuenta con planta de cruz latina y el más puro estilo gótico.
Las lineas discursivas de este museo son las de concepción de museo moderno; en el que no se trata de crear arte para ser contemplado, sino que el arte se hace para, con y desde el espectador. Es tan importante en el MACBA una exposición, como una conferencia, la presentación de un libro, como un taller o cualquier otra actividad que conlleve avanzar en el mundo de la experimentación artística.
Lo que pretenden enseñar sobre todo, es el arte último del siglo XX; es decir, gente actual que tiene su obra madura y está dispuesta a mostrarla y seguir experimentando con ella.
El museo se articula en exposiciones siempre temporales con una duración aproximada de tres o cuatro meses. Recoge exposiciones itinerantes y plantea exposiciones propias. Además, mes a mes, el museo se va haciendo con unos fondos fijos muy interesantes.Fuente:http://artescontemporaneos.com/macba-museu-dart-contemporani-de-barcelona/
http://www.macba.cat/es/inicio
http://artescontemporaneos.com/macba-museu-dart-contemporani-de-barcelona/
Mar4
DELACROIX EN CAIXAFORUM DE BARCELONA
Caixaforum en Barcelona cumple diez años y lo hace a lo grande : Con una magnífica exposición dedicada al pintor francés Eugène Delacroix.Se trata de una insólita recopliación de obras alojadas habitualmente en diversos museos (la mayoría del Louvre) que enseñan muy diversas facetas del pintor.Muestra su vinculación con la literatura,viajes,filias,fobias y dudas del genio creador.Presenta su extraordinaria intensidad creativa.La multiplicidad de temas tratados,la variedad de técnicas,la variedad de formatos,nos muestra a un Delacroix «académico», dentro del canon ,pero que a la vez desborda por todos lados el intento de encasillarlo.Un clásico imprescindible.
La riqueza pictórica y dibujística de Eugène Delacroix se instala por un tiempo en CaixaForum de Barcelona, en una impresionante exposición en la que se reúnen más de 130 obras procedentes en buena parte del Museo del Louvre de París. Estructurada en varios ámbitos temáticos, la muestra llega a Barcelona tras haber obtenido un importante éxito de público tras su paso por Madrid con más de 300.000 visitas.
Comisariada por Sébastian Allard, conservador del departamento de pintura del Louvre, esta exposición –la más completa que se le ha dedicado hasta la fecha tras la que tuvo lugar en París en 1963– pretende que el espectador pueda descubrir las muchas facetas del maestro, uno de los autores más destacados de la pintura francesa durante la primera mitad del siglo XIX. Aplaudido por algunos de sus contemporáneos, como Chopin o Baudelaire, en Delacroix se dan la mano tanto el placer visual como la seriedad intelectuall.Fuente:http://www.larazon.es/noticia/8608-todo-el-esplendor-de-delacroix-llega-a-caixaforum
Con 130 obras, es sin duda la muestra más completa de los últimos cincuenta años después de la que se organizó en París en 1963 con motivo de su centenario. Su comisario, Sébastian Allard, conservador de pintura del Louvre, explica con gran entusiasmo la admiración que sintió Delacroix por Goya. «Descubrió sus cuadros en su viaje a Marruecos; hizo varias escalas en Algeciras, Cádiz y Sevilla y podemos ver una influencia en sus grabados y dibujos —comenta Allard—. Queremos subrayar la impronta que dejó Delacroix en Picasso». Goya como fuente de inspiración y Picasso como admirador de Delacroix son dos ejes sobre los que se ha trabajado para esta gran selección. «No olvidemos que Picasso le dedicó una serie inspirada en “Mujeres de Argel en sus habitaciones”», subraya.
Precisamente, el cuadro «Mujeres de Argel en sus habitaciones» merece un alto en este periplo por genial pintor francés. «Es una gran suerte contar con este óleo porque la última vez que salió del Louvre fue hace cincuenta años y, además, nos permite ver de cerca el estudio minucioso que hizo de los diferentes tejidos y la importancia de la combinación de sus colores», destaca el comisario. Medea y San Sebastián también son protagonistas de esta retrospectiva. A finales de la década de 1830 Delacroix vuelve al clasicismo y pinta enormes óleos de temas mitológicos y religiosos. «Aquí podemos ver varias versiones de Medea y San Sebastián, sin olvidar la figura de Cristo que ocupa un lugar muy destacado», apunta Allard.
Delacroix sólo realizó tres autorretratos en su vida, los tres presentes en la muestra.Fuente:http://www.abc.es/20120215/local-cataluna/abci-caixaforum-rinde-encanto-mujeres-201202151007.html
Delacroix y la literatura
Gracias a su ubicación en París, Delacroix se hace asiduo de reuniones literarias en las que comparte mesa con Stendhal, Mérimée, Victor Hugo, Alejandro Dumas, George Sand y Baudelaire, entre otros. El artista prefiere relacionarse con escritores antes que con otros pintores lo que marcará una parte fundamental de su obra.
En 1822 se expone por primera vez su obra Dante y Virgilio en los infiernos una de sus primeras pinturas de influencia literaria, ya que Delacroix tuvo una fascinación más que evidente por Dante como personaje y escritor, una elección ajustada a l perfil de sus cuadros más conocidos que muestran esa mezcla de fantasía, oscuridad y erotismo.
Su obra de influencia literaria está compuesta por litografías que conforman series como la dedicada a Fausto de Goethe, muy influenciada por la serie Los caprichos de Goya, o la serie dedicada a Macbeth de Shakespeare. En ambos casos obras de gran calidad que reflejan esa lucha de Delacroix entre el romanticismo más arrebatado y el clasicisimo más académico.
Fuente: Suite101: Delacroix literario, en el CaixaForum Barcelona | Suite101.net http://estherpatrocinio.suite101.net/delacroix-literario-en-el-caixaforum-barcelona-a75773#ixzz1nQrcAsP0
Algunas obras de inspiración inglesa.
En algunos casos,como en esta «Muerte de Sardanápalo», el esbozo (de tamaño sensiblemente inferior a la obra final) tiene toda la fuerza y unos colores mareantes.
Obras cargadas de fuerza y dramatismo.El romanticismo,el nacionalismo…los cuadros sobre el «drama griego»,y la opresión otomana son destacados y destacables.
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| Grecia personificada. |
Los cuadros y dibujos después de su viaje por el Magreb forman parte de la fascinación que por los países y ambientes «orientales» sintieron literatos y pintores durante el siglo XIX.
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| Una boda judía. |
Cuadros de temática religiosa y mitológica.
«Medea» en tres formatos: un esbozo ,un tamaño mediano y una gran pintura.
Eugene Delacroix realizó diecisiete litografías para «»Fausto» de Goethe.Cinco de ellas se exponen en la muestra de Caixaforum.Mefistófeles,Werther,el aquelarre de las brujas en el sabat y demás…
http://www.larazon.es/noticia/8608-todo-el-esplendor-de-delacroix-llega-a-caixaforum
http://www.youtube.com/watch?v=40hxWBnZAv4
http://www.youtube.com/watch?v=wQiNSIFaOaY&feature=relmfu
http://www.youtube.com/watch?v=S8Q-r6MyuCY&feature=relmfu
http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-delacroix-caixaforum-madrid-esp__816-c-15045__.html
http://estherpatrocinio.suite101.net/delacroix-literario-en-el-caixaforum-barcelona-a75773
http://www.abc.es/20120215/local-cataluna/abci-caixaforum-rinde-encanto-mujeres-201202151007.html
Feb10
Los libreros del Sena en París.
Existe una gran concentración de librerías en París.Pero la mayor concentración a «cielo abierto»,se produce en la zona de los muelles cerca del Barrio Latino. Aquí es donde se pasean y reúnen los amantes de los libros raros, los investigadores de títulos específicos, los amantes de libros en busca de algún «tesoro» codiciado o,también, los simples curiosos. El origen de las librerías es casi contemporáneo con la construcción del Pont Neuf, que como su nombre no indica, es el puente más antiguo de París, que finalizó su construcción en 1607. Es en este famoso puente que los vendedores ambulantes de escritos (a veces subversivos) todos toman asentamiento estable en el barrio.Entonces se les da una fácil y cómoda solución a estos comerciantes ambulantes ,por medio de los cajones de almacenamiento, los antepasados de los cajones pintados en color verde-botella que vemos hoy, en fila, en los muelles. Hoy en día los libreros, estos comerciantes, ya no son viajeros y poco queda de la crítica «marginal y radical» de la vida política mostrada en el Pont Neuf, donde se reian de todo: el rey, sus ministros, clérigos, policías …sabiamente alineados en los muelles, muy bien llamados «mercaderes de la mente», que ahora son parte de la configuración de París y el paisaje de postal. La palabra «bouquiniste» viene del flamenco «boeckjîn» que significa «pequeño libro». Muy codiciada su ubicación de los vendedores de libros, consta de cuatro paquetes de 2 m pintados de verde que se extiende a más de 3 km. Su vida cotidiana no es tan color de rosa como parece. En efecto, el reglamento exige que estén presentes al menos cuatro días a la semana sin importar el clima. Hoy en día hay cerca de 240 miembros de esa corporación profesional tan especial. A cambio no se les cobra tasa municipal.Pero el Ayuntamiento de París les exige que vendan libros,revistas, grabados… y no tantos «souvenirs».
Toda persona que haya visitado París los ha visto. Sin ellos la romántica imagen del centro de París o los alrededores del Sena no serían lo mismo. Los bouquinistes son esos vendedores (la gran mayoría son hombres aunque he visto algunas pocas mujeres también) de libros, revistas, postales y, en menos cantidad, otros souvenirs y objetos como pinturas, cuadros, etc, que tienen un puestos de venta privilegiados a lo largo del río Sena. Están colocados a ambos lados del río; exactamente en la parte central, aquella que está en frente del barrio latino, alrededor de l’île Saint-Louis y de l’île de la Cité.
Se encuentran todos los días de la semana, aunque su apertura suele coincidir con las horas de mayor tránsito y afluencia de público. Es raro ver más de 4 o 5 puestos abiertos al mismo tiempo. Hay una cierta alternancia (voluntaria o no, lo desconozco) entre los horarios y días de apertura.
.Fuente :http://www.minube.com/rincon/bouquinistes-de-paris-a2218
http://www.youtube.com/watch?v=FMpAXedxE98&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=33u67FFsBqA
http://www.youtube.com/watch?v=O2EuszDXNLw&feature=related
http://www.minube.com/rincon/bouquinistes-de-paris-a2218
http://fr.wikipedia.org/wiki/Bouquinistes_de_Paris
http://www.rue89.com/2010/08/30/a-paris-les-bouquinistes-pries-de-vendre-des-bouquins-161306
Feb9
Pintores turcos en Caixaforum.Selección de obras del Banco Central de la República de Turquía.
Tras su paso por Madrid, CaixaForum Barcelona acoge la exposición Sombras y verdad. Una selección de la colección de arte del Banco Central de la República de Turquía, una selección de obras de 18 artistas turcos esenciales para entender la modernidad artística del país.
Todas las obras expuestas pertenecen al Banco Central del país, una institución que, gracias a su colección de arte moderno, ha contribuido de forma decisiva al desarrollo y la difusión de las tendencias artísticas imperantes en este país desde principios del siglo XX hasta la actualidad.
Apertura a la modernidad
La proclamación de la República de Turquía, en 1923, abrió las puertas a la modernidad. En el clima de apertura y novedad provocado por las reformas políticas de Mustafá Kemal Atatürk, la Academia de Bellas Artes (Sanayi-i Nefise Mekteb-i Âlisi) tomó la iniciativa de mandar a París a algunos de sus alumnos más aventajados.
En contacto con las vanguardias artísticas y literarias, los artistas turcos asimilaron los movimientos modernos europeos y aportaron sus propias interpretaciones subjetivas. Tras la Segunda Guerra Mundial, esta relación se hizo todavía más estrecha, y la escuela de París de los años cuarenta y cincuenta y el expresionismo abstracto norteamericano dejaron una huella perdurable en la sensibilidad de los artistas turcos.
Formas abstractas
Una de las constantes ha sido la fascinación por las formas abstractas, abordada con enfoques diversos, ya sea desde el expresionismo y la abstracción figurativa o a través de interpretaciones fantásticas. Existe, eso sí, un vínculo en todas ellas: la fuerza gráfica y la potencia del color son constantes en estas obras que, aunque pintadas en fechas y circunstancias muy distintas, remiten a un legado histórico común.
Los artistas seleccionados responden a un criterio geográfico multicultural, y se incluyen obras realizadas principalmente durante las décadas de 1980 y 1990, aunque abarcan ideologías y políticas que se remontan hasta la de 1950.Fuente:.http://www.hoyesarte.com/exposiciones-de-arte/en-cartel/10941-arte-turco-actual-en-caixaforum-barcelona.html
Dieciocho artistas esenciales en la modernidad artística turca.
La exposición, organizada en colaboración con el Banco Central de la República de Turquía, quiere dar a conocer la creación artística contemporánea de Turquía a partir de 18 artistas, que abarcan más de medio siglo. Todas las obras expuestas pertenecen al Banco Central de la República de Turquía.
Los artistas seleccionados responden a un criterio geográfico multicultural, y se incluyen obras realizadas principalmente durante las décadas de 1980 y 1990, aunque abarcan ideologías y políticas que se remontan hasta la de 1950.
El objetivo de la muestra, más que dar a conocer el arte de hoy, es hacer visible el espíritu de un proceso. Así, el título de la exposición hace referencia a la historia del arte moderno en una cultura poco conocida en nuestro país, una cultura que ha permanecido a la sombra de las corrientes artísticas mayoritarias y que se sitúa en geografías de las que erróneamente se cree que sus costumbres y tradiciones se perpetúan invariables.Fuente: http://www.ningunearte.com/2012/01/sombras-y-verdad-una-seleccion-de-la.html
La exposición «Sombras y verdad» está formada por una selección de obras que el Banco Central de la República de Turquía añadió a partir de 1990 a su colección de arte con la intención de darle un nuevo enfoque en una época en la que se criticaban con dureza el eurocentrismo, la hegemonía occidental y la otra modernidad. La selección responde a un criterio geográ_co multicultural e incluye obras de un grupo de otros artistas, realizadas principalmente durante los años ochenta y noventa, pero que abarcan ideologías y políticas que se remontan hasta la década de 1950. En lugar de mostrar el arte de hoy, esta exposición visibiliza el espíritu de un proceso. Se centra en la verdad y la historia del arte moderno en otra cultura, una cultura que se ha dejado en la sombra y que se sitúa en geografías para las que se considera que no existe la historia, geografías que se mantienen al margen del tiempo y donde se cree que la costumbre y la tradición se perpetúan invariables.
«Sombras y verdad» presenta obras de artistas que, en general, quieren aprender y explorar la tradición relacionada con la cultura otomana e islámica, que quieren llevar a cabo una arqueología de la modernización republicana y que, al mismo tiempo, quieren investigar y dar signi_cado a los cimientos de la modernidad y a la continuidad histórica que ha tomado una nueva forma.Fuente: http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/sombrasyverdad_es.html
Feb9
Maestros impresionistas de la colección Clark en Caixaforum de Barcelona.
La exposición reúne 73 obras de Pierre Auguste Renoir, Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet y Camille Pissarro, entre otros, y Barcelona constituye la única parada en España de una gira internacional que la llevará también a América y Asia.
Las obras se centran en la «encrucijada en la historia del arte» que supuso el impresionismo francés, y constituyen una colección de obras maestras de finales del siglo XIX y principios del XX, cubriendo además el abanico de estilos y tendencias de un periodo dinámico.
La muestra refleja los gustos personales de Sterling y Francine Clark, autores de la exposición que durante cinco años reunieron una de las mayores colecciones impresionistas del mundo.
La exposición ha sido organizada por el Sterling and Francine Clark Art Institute, coincidiendo con la ampliación de su sede, y ha sido producida por la Obra Social La Caixa y comisariada por Richard Rand.Fuente :http://www.larazon.es/noticia/7038-los-maestros-impresionistas-de-la-coleccion-clark-recalan-en-barcelona
Pocos meses después del éxito de la exposición de Picasso-Degas en el Museo Picasso, la colección Sterling and Francine Clark Art Institute vuelve a viajar a Barcelona para instalarse en Caixaforum con una selección de 72 pinturas de grandes maestros del Impresionismo.De nuevo podemos observar la belleza de «Bailarinas en clase» de Degas, aunque en esta ocasión lo vemos junto a «Antes de la carrera», «Retrato de hombre» y «Autorretrato», todos ellos también de Degas. Bajo el subtítulo de «Maestros franceses», se cubre un amplio abanico de estilos y tendencias y acoge piezas como «Granja en Las Landas», de Rousseau; «Acantilados de Étretat», de Monet; «Palacio Ducal de Venecia», de Renoir; o «Muchacha cristiana», de Gaugain, entre otros. La muestra podrá visitarse hasta el próximo 12 de febrero.Fuente : http://www.abc.es/20111117/cultura/abcp-coleccion-clark-regresa-barcelona-20111117.html
Manet, Monet, Renoir, Degas y todo el esplendor del París del comienzo del siglo XX llegan a Caixaforum a través del Sterling and Francince Clark Arte Institute
La exposición reúne un conjunto excepcional de pintura francesa del siglo XIX y comienzos del XX, procedente de la colección de Sterling and Francine Clark.
Sterling Clark reunió la mayor parte de su colección en París, en los primeros años de la década del siglo XX, por el placer de estar rodeado de las grandes creaciones de su tiempo. Concibió su colección a escala doméstica: las obras formaban parte del entorno cotidiano y se distribuían por la casa siguiendo las preferencias del coleccionista, que combinaba piezas de diferentes periodos y estilos. Clark buscaba la continuidad entre las creaciones del pasado y del presente, desde una perspectiva que hoy podemos sentir como muy cercana.
Las obras que adquirió, principalmente de la primera etapa del impresionismo, convivían con los antiguos maestros y también con la pintura inmediatamente anterior, sin rupturas. En la muestra, encontramos a los pintores realistas de la escuela de Barbizon –Corot, Millet, Rousseau– junto con los grandes maestros del impresionismo: Sisley, Pissarro, Manet, Monet, Degas y, sobre todo, Renoir, que fue el primer impresionista de la colección Clark.Fuente : http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/impresionistas_es.html
Sterling Clark convirtió su pasión personal en un patrimonio colectivo y en 1955 creó su propio museo en Williamstown, en el estado de Massachusetts. La exposición revive el esplendor del novecientos –cuando París era la capital de la pintura– y nos acerca a algunos de sus artistas más destacados, como Renoir, que tiene una presencia muy importante en la colección Clark y en esta exposición.
Exposición organizada por Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts y producida por la Fundación «la Caixa».
La colección de Clark
Sterling y Francine Clark adquirieron la mayor parte de las pinturas que forman la base de la colección del Clark. Desde la década de 1910 hasta la década de 1950, los Clark reunieron una impresionante colección de pinturas europeas y americanas, la escultura y dibujos, así como la plata británica y porcelana europea. Clark es el más conocido por su colección de pinturas impresionistas franceses, entre ellos más de 30 obras de Pierre-Auguste Renoir, que toman su lugar dentro de un conjunto más amplio de las obras maestras que datan desde el Renacimiento hasta finales del siglo XIX. Aunque la colección ha crecido mucho desde la apertura de la Clark en 1955, incluyendo una creciente colección de fotografía antigua, el alcance y la naturaleza sigue representando el gusto y los intereses de los fundadores.
La Sterling y Francine Clark Art Institute
Clark es uno de los pocos museos de arte más importantes que también sirve como un centro de referencia internacional para la investigación y la erudición. El Clark presenta los programas públicos y la educación y la organización de exposiciones innovadoras que promuevan nuevas becas, y sus programas de investigación y académicas incluyen un programa de becas y conferencias internacionales. Sus 140 acres en el Berkshires del Oeste de Massachusetts incluye Stone Hill Center, diseñado por Tadao Ando e inaugurado en 2008, donde se encuentran las galerías, salas de reuniones y salón de clases, y el Centro de Arte Williamstown conservación.Clark, junto con el Williams College, sobre todo de Estados Unidos universidad de artes liberales, uno de los patrocinadores más importantes del país los programas de maestría en historia del arte.
La colección Clark es conocido por una extraordinaria colección de pinturas impresionistas francesas, que tienen su lugar dentro de un conjunto más amplio de las obras maestras que datan desde el Renacimiento hasta finales del siglo 19. El Clark continúa acumulándose en los campos de la pintura, escultura, grabados, dibujos y fotografías, así como las artes decorativas incluyendo nuevas adiciones a su ya extensa colección de plata británicos y estadounidenses. Una serie regular de exposiciones de préstamos institucionales se ofrecen cada año y el compromiso de Clark a la educación pública se centra en las conversaciones galería para niños y adultos, e incluyen clases de estudio de arte, festivales al aire libre de la familia, y conferencias relacionadas con la colección y exposiciones.Los programas de artes escénicas que van desde conciertos de bandas al aire libre para la música popular y el mundo de los espectáculos mejor cámara se ofrecen durante todo el año, así como ciclos de cine, visitas guiadas especiales, y mucho más.
Clark se encuentra en el 225 South Street en Williamstown, Massachusetts. Las galerías están abiertas todos los días en julio y agosto (de martes a domingo de septiembre a junio) de 10:00 am a 5:00 pm. La entrada es gratuita noviembre a mayo. La entrada es gratuita. Para más información, llame al 413 458 2303 o visite clarkart.edu.
…….
Feb9
Paseo por Caldes d’Estrac.Los encantos de Caldetes.
http://es.wikipedia.org/wiki/Caldetas
http://www.enciclopedia.cat/fitxa_v2.jsp?NDCHEC=0013550
http://www.fundaciopalau.cat/fundacio-palau/ca.html
http://www.caldetes.cat/fitxa.php?id=18
http://www.hotel-colon.net/web/es/caldetes.php
http://www.costamaresme.com/pob/caldes.html
http://www.endrets.cat/text/250/de-caldetes-en-tinc-un-munt-de-records.html
Dic29
Exposición permanente de Tharrats en Pineda de Mar.
Dic26
Exposición permanente de Tharrats en Pineda de Mar.
Oct23
Exposición «Nit i día» en la galería LafuturA de Barcelona.
En pleno corazón del barcelonés barrio del Poble Sec,un colectivo de artistas abrió hace ya más de medio año (el 3 de marzo) una galería donde exponer el producto de sus inquietudes y actividades.El colectivo se denomina «LafuturA» y alterna entre exposiciones colectivas e individuales.La he visitado este fin de semana y actualmente exponen (hasta el 5 de noviembre) dos artistas diferentes : Fede Fàbregas y Enric Santamaria.
Se define este colectivo de creadores en los siguientes términos : «Lafutura es un espacio social de creación, también abierto a aquellas personas o colectivos artísticos que sin ánimo de lucro deseen compartir sus creaciones.Lafutura abre un espacio polivalente a la exhibición de contenidos culturales diversos, desde la performance a las artes escénicas de pequeño formato, pasando por la creación multimedia, la videocreación, el cine documental…El equipo de LafuturA consiste en un grupo de creadores voluntariosos, así como diseñadores, administradores , gestores y peones que, siendo dedicados miembros de la comunidad artística, juntos y con una larga andadura en el grupo de trabajo, han llevado a LafuturA! a nuevas alturas dentro de su relativamente breve período de vida. Esta bien engrasada máquina es a menudo relantizada pero nunca parada.LafuturA tiene a gente maravillosa y con talento llevando los conceptos de cultura abierta al mundo de la estandarizada exhibición. . LafuturA es la mayor y más excitante liberación de un proyecto.» Está claro que tienen un elevado autoconcepto y lo llevan a la práctica con todo el desparpajo y naturalidad del que son capaces.
De esta exposición ,denominada «Nit i Dia» ,Jordi Mullor nos advierte que: «Las medias tintas no han venido a la fiesta. El espectáculo discierne bien entre la noche y el día. La cuestión no es elegir sino disfrutar, a pesar que todos los indicios nos lleven a la innegable dualidad escolástica: blanco o negro, la realidad del mundo o su intuición, el peso del pincel o la fuga hacia delante, la verdad o la figuración , la arruga o su intuición, el argumento y el propósito, la génesis y la exégesis, el trazo exigente y la ola voluptuosa. En definitiva, podemos visionar en un mismo muro al espíritu de la esencia y una de sus interpretaciones.Dos personalidades antagónicas en una piscina común de atrevimiento y de color. El magma de la amistad ancestral hace viable este tipo de sincronía asincrónica. Esta relación personal ha hecho posible el encantador circo de dos espacios intangibles en una cocina pictórica sin maestro de ceremonias. Aquí tenéis los platos de los cocineros.Disfrute de esta tabla libremente expresada, pero no reclamad ningún menú, ni ‘chef’ , ni consejo, pues sencillamente estáis invitados a una comida entre amigos que rechazan el protocolo. Y que la diversión continúe …» Realmente una magnífica introducción para tan pantagruélico festín, añado yo.
En mi opinión se trata de una excelente forma de promoción de un variopinto grupo de artistas.desde el Blog «Miradas» les deseamos todo tipo de éxitos.
http://lafutura.wordpress.com/
Oct8
El grafiti en Sabadell.Una forma de expresión artística.Entre el premio y la persecución.Segunda parte.
Sabadell goza de una merecida fama de buenos artistas del grafiti.Pintar en muros,fachadas,medianeras y puertas,es una actividad que oscila entre la tolerancia y la prohibición.Algunos murales han sido auspiciados por las autoridades.Estos que presento hoy aquí han sido realizados en instalaciones municipales.También se desarrollan certámenes t encuentros ligados a esta actividad durante las diversas fiestas de barrios y distritos de la ciudad.Para ellos se proponen concursos y premios, mientras en otros casos los “artistas” son tratados como verdaderos delincuentes.
http://es.wikipedia.org/wiki/Grafiti
http://pocatraza.com/2009/fotos-concurso-graffiti-sabadell/
http://www.impaktesvisuals.com/grafittiS.htm
http://santikko.blogspot.com/2009/02/sabadell-graffiti-boca-trece-rap-kode.html
http://www.guialimpieza.com/limpieza-eliminacion-de-graffitis-sabadell-vsubservciudad-2061-676.html
http://fernandodeandugar.blogspot.com/2011/03/arte-urbanoel-grafitti-en-sabadell.html
https://pandugar.wordpress.com/2011/03/31/arte-urbano-el-graffiti-en-sabadell/
Sep29
Exposición de Frederic Amat.Los dibujos para La Odisea en la Alliance Française de Sabadell.
La Alliance Française de Sabadell presenta hasta el 15 de noviembre la exposición de la serie de dibujos La Odisea de Frederic Amat.Se trata de un artista plástico y escenógrafo,catalán y barcelonés, que estudió con Fabià Puigserver y en su obra influyeron Tapias y Miró.
Efectivamente,en sus salas de exposición,la AF de la capital del Vallés,que opera desde hace años como centro cultural y de aprendizaje de la lengua francesa,se muestran los 40 dibujos de la serie que Frederic Amat hizo para ilustrar la edición de bibliófilo de la Odisea de Homero publicada por la Enciclopedia Catalana. Según el artista, se trata de una interpretación de la traducción de Carles Riba desde la expresividad contemporánea y desde la poesía, más que un intento de narrar en imágenes el argumento del libro. La obra de Frederic Amat está acompañada de diferentes ediciones de la Odisea en catalán y de la proyección de un cortometraje.
http://www.fredericamat.net/es/obra/ediciones/-seleccion-1983-2011/lodissea
http://www.conca.cat/es/agenda/activitat/lOdisseaHomerdeFedericAmat
http://ca.wikipedia.org/wiki/Frederic_Amat
……..
Ago29
OPALKA ,EL VÉRTIGO DEL INFINITO. La exposición de Thonon-les-Bains,Francia.
En la balnearia localidad francesa de Thonon-les-Bains (preciosa ciudad cercana a Evian,ribereña del lago Lemán y situada frente a Lausana) sigue abierta la exposición inaugurada el día 2 de julio centrada en la figura y obra de Opalka.Artista plástico del arte conceptual,relativamente poco conocido en España.Se trata de una exposición singular sobre un artista también singular.Lo es por varios motivos: por la rareza de algunas de las obras expuestas,por la singularidad de uno de los centros de exposición (la desafectada Capilla de la Visitación),y triste es decirlo,por la muerte del autor que nos dejó el 6 de agosto y no pudo acudir a la inauguración de
esta muestra que es única en su género. Supone la reunión de algunas de sus primeras (y últimas) obras esenciales.Fue diseñada hace más de un año con Philippe Piguet,comisario de exposiciones, y se podrá disfrutar hasta el día 2 de octubre.La exposición se desarrolla en dos sedes :La galerie de l´Etrave y la mencionada Capilla de la Visitación.En ella se desarrolla el tema «Suite,serie y variaciones».
En la Capilla de la Visitación se muestra un cuadro, una serie de autorretratos fotográficos y dos «travel card», que se suman a toda una serie de grabados realizados por el artista entre los años 1968 y 1970, rara vez vistos en Francia.
Destaca el lienzo «Blanco sobre blanco».De factura impecable,de blancura inmaculada.De lineas muy depuradas.Esta obra ,así como las series de retratos ,que según obsesión del autor eran cada vez más claros,en un fondo bellamente blanqueado como el de la Capilla.Sólo destaca el color de algunos grabados y por supuesto las bellas vidrieras.
La obsesión artística de Román Opalka era el paso del tiempo,o mejor dicho la plasmación de éste,por eso decidió escribirlo en cifras en sus lienzos y grabados.Desde el año 1965 el artista decide crear una «unidad en expansión» reflejada en sus obras hasta el momento de su muerte,por medio de cifras que van avanzando y creciendo.Pretendía ensalzar la vida,el tiempo y la pintura.Signos que son las cifras que reflejan en su «expansión» que manifiestan la vida y la obra.Otra forma de reflejarlo, era comenzar con una obra oscura y pasar a ser progresiva y sutilmente cada vez más clara,pero tendiendo como explicaba Opalka al infinito.Su obra esencialmente dinámica ,de una cierta vanguardia,se ha terminado.Su recuerdo,lógicamente perdura.
Videos sobre Opalka y su obra:
Fundido a blanco:
http://www.youtube.com/watch?v=p5I0rDF_xpQ&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=5L48EALoecM&NR=1
http://www.youtube.com/watch?v=pROSdQIn7AU
http://www.youtube.com/watch?v=baOlGH71fng&feature=related
Entrevista en Jeu de Paume de Paris.
http://www.youtube.com/watch?v=5L48EALoecM&NR=1
http://www.youtube.com/watch?v=rKDyAb-dPvk&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=qdWBuA5YtVg&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=jH9wdtoiidM&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=ZS7CqjnOZJU&feature=related
http://fr.wikipedia.org/wiki/Roman_Opa%C5%82ka
http://es.wikipedia.org/wiki/Roman_Opalka
http://en.wikipedia.org/wiki/Roman_Opa%C5%82ka
http://www.thononlesbains.com/fr/sorties/expositions-musees–sitraEVE686351–exposition-opalka.html
http://www.ville-thonon.fr/1308911579713/0/fiche___actualite/
May23
Exposición de Arnau Alemany en la Sala Parés de Barcelona.Realismo mágico y ecologista
En la ciudad de Barcelona,en su casco antiguo,en una calle muy estrecha pero muy concurrida, tradicionalmente dedicada a las chocolaterías y en la actualidad también al arte y la moda,la calle Petritxol ,se encuentra la Sala Parés . En la misma se expone una singular colección de pintura de Arnau Alemany,donde como ya es habitual en este autor, nos plantea espacios urbanos,industriales,y naturales llenos de colorido y abiertamente cercanos al surrealismo o «realismo mágico» ,otros optan por calificarlo,dando otra vuelta de tuerca más a las palabras, como «ecorealismo mágico».Si es verdad ,como decía alguno, que arte es toda aquella manifestación de la creatividad humana que tenga la capacidad de emocionarnos,nos encontramos delante de la obra de un artista muy interesante. La presente serie de fotografias (de escasa calidad técnica) tan solo pretenden «picar» la curiosidad del lector del blog por esta exposición y autor.Lo mejor es verlo y disfrutarlo en directo,esto es, en persona.
http://www.vespito.net/mvm/alemany.html
http://deletrasycolores.blogspot.com/2010/04/arnau-alemany-realismo-magico.html
http://www.sifinearts.com/Artist-Detail.cfm?ArtistsID=532
http://www.terra.org/el-ecorealismo-magico-de-arnau-alemany_2503.html
http://es-la.facebook.com/media/set/?set=a.180787871972061.57908.170572619660253
Ene26
Los pozos de Venecia.
La vida ,algunas veces, semeja un pozo oscuro y sin fondo aparente.En algunos casos parece incluso que la depresión llegará a doblegarnos.Nos queda el maravilloso recurso de ,si no es posible hacerlo en la realidad,viajar un poco con la imaginación.Inicio en el Blog un maravilloso viaje por la ciudad de Venecia.Casi todas las fotografías las realicé yo hace unos años.Inicio el paseo por un elemento magnífico y algo misterioso que se encuentra en gran parte de «campos» y patios interiores de manzana.
En Venecia llegó a contarse hasta seis mil de estos fundamentales elementos para garantizar la subsistencia de la ciudad.Algún cronista había dicho hace ya varios siglos que Venecia es una ciudad en el agua,pero sin agua.Los pozos en Venecia respondían a una realidad doble: por un lado el pozo natural o artesiano,que casi solo se encontraba en los «lidos» y, por otro el que aprovechaba mediante un buen trabajo de ingeniería,el método propio de las cisternas.Todo un sistema de filtrado de las aguas pluviales garantizaba un agua de aceptable calidad.Hoy en día el agua llega de la «Terraferma» por una gran canalización de aguas públicas,por el «Ponte de la Libertà»,el mismo puente que trae el tráfico rodado y el tren hasta Venecia.El paso a tener agua corriente canalizada comenzó a finales del siglo XIX.Y ello fue dejando a los pozos como meros elementos decorativos,desprovistos ya de ninguna utilidad práctica.
La parte sobresaliente del pozo, el brocal ,ha dado una cantidad muy grande de pozos de gran valor artístico y estético.Algunos como los del patio interior del Palacio Ducal son de bronce.Otros de diferentes tipos de piedra labrada.En todos los casos se encuentran cerrados con una tapa bien asegurada formando parte de su estética.Desprovistos ya de su utilidad primigenia,subsiste su aureola de misterio y de belleza.Son un ornato que surge a cada paso que damos por calles,»campi»,»rioterra»,»salizzatas» y demás…
Los pozos de Venecia nos transportan a otra época.Nos sugieren todo tipo de historias y ,tradicionalmente han formado parte de la literatura,de las leyendas y de las pinturas que tienen como centro a esa bella y enigmática ciudad.
Nov1
Paul Cézanne.Un artista solitario.Pintor impresionista.Antecesor del fauvismo y cubismo.
En el Blog,otro personaje uraño y amante de su privacidad.Un artista de vanguardia.Un artista que será recordado ,por muchos motivos,pero no por ser mundano y muy sociable.
Cézanne fue un pintor solitario, un bohemio, un viajero que odiaba ser molestado por los demás. El artista siempre prefirió buscar su propio camino, en soledad, cerca de su Provenza natal,Aix-en- Provence –población al norte de la ciudad francesa de Marsella– y lejos del bullicio artístico parisino y de los salones literarios dónde nunca fue bien visto. “En París estoy malgastando el tiempo. La verdad es que no me imagino convertido en un parisiense”, escribió cierto día a un amigo.
Quizás fue su carácter personal y su inconformismo con el arte de aquellos tiempos lo que le impulsó a investigar el color y las formas puras, convirtiéndose así en el padre de la vanguardia artística del siglo XX a través de sus pinceladas sueltas y del dominio de la geometría y los volúmenes.
Así lo ve Pablo Montoya:
Una montaña bien delineada, dueña de zonas claras y perspectivas oscuras. Con perfiles que en ciertos momentos del día son delicados y en otros vigorosos. Está levantada, como una revelación inesperada, a varios kilómetros de Aix en Provence, sobre un relieve donde predominan las tranquilas sinuosidades del sur francés. Cuando la vemos, desde lo que se llama ahora “el terreno de los pintores”, parece que acabara de surgir como un espejismo de la luz tramado en la distancia. Geológicamente, Santa Victoria ha estado ahí desde hace millones de años, pero en los terrenos del arte es como si hubiera estado siempre a la espera de su pintor. Paul Cézanne la vio tantas veces, en su ir y venir por la ciudad y sus alrededores, que terminó sometido al imperioso deseo de plasmarla. La montaña está presente en 87 de sus pinturas, como protagonista principal o como telón de fondo de algún paisaje de la Provincia. Ella de algún modo, al final de sus días, se convirtió en la suprema obsesión. En esa realidad, entre telúrica y onírica, que le permitiría alcanzar su sueño de llegar a la muerte pintando.
En 1901, Cézanne se instaló en las afueras de Aix. Estaba cansado y el escepticismo hacia la estética de los centros artísticos que dominaban entonces, lo había vuelto un poco más huraño y solitario. Con la venta de la residencia familiar de Jaz de Bouffan, compró una finca en la colina de Lauves. El lugar en este verano suave en que lo visitamos, sostenido en el canto de las cigarras y acariciado por el aroma de la lavanda, se conserva casi intacto. En el taller están los abrigos, la sombrilla, el sombrero y la boina, el caballete y los pinceles, algunos bocetos y cartas del pintor de la época en que vertía la montaña en sus óleos y acuarelas. La finca, igualmente, guarda el jardín con sus olivos, higuerillas, un gran cedro del Líbano y el trazado de los senderos que Cézanne tomaba en sus descansos. Y hay algo de rusticidad agreste, un poco de olvido y otro tanto de abandono depositado en las cosas que agrada, porque así se percibe mejor el espíritu de ese último Cézanne que tanto nos conmueve.
Como él, emprendemos la caminada que tantas veces realizó. Salimos de su taller y vamos al sitio más elevado de la colina. Cézanne gustaba decir, situado en el rincón desde donde ahora divisamos la gran elevación calcárea, estas palabras: “Mire esta Santa Victoria. Qué impulso, qué sed de sol y qué melancolía en la tarde cuando la pesadez cae y se dulcifica”. Hay unas fotografías correspondientes a 1904 de J. Bernheim Jeune que muestran al pintor frente a la montaña, protegido con su sombrilla de la dureza de la intemperie. Está con su sombrero, frente a su caballete, mirando hacia el valle de donde brota la mole, más bella acaso en sus cuadros que en la realidad. Y es que al ver la Santa Victoria en los nueves óleos y en las 17 acuarelas que hizo Cézanne, recordamos sus palabras cuando se refiere a la belleza y a la verdad. La primera nace cuando se atrapa el instante en la pintura. Y allí reside, casi solitario e inasible, el secreto de la verdad. La verdad pictórica es como un eco de la apariencia de una realidad siempre fugitiva.
El 15 de octubre de 1906, Cézanne salió una vez más tras su montaña mágica. Una tempestad otoñal estalló y él no hizo caso. Siguió pintando, mirando su quimera rocosa tras la barrera de la lluvia y del viento, hasta que un síncope lo fulminó. Dos campesinos lo recogieron y lo llevaron en una carreta de lavandero a su finca. Al otro día, indiferente al malestar, Cézanne salió al jardín a retocar uno de sus últimos retratos. No demoró en desvanecerse. Pocos días después falleció quien se consideró a sí mismo como el primitivo exponente de un arte nuevo. Un arte que poco tiempo después, de la mano de su observación prodigiosa y de sus colores únicos, desembocaría en el cubismo, el expresionismo y el abstraccionismo. Finalmente, en el cementerio de San Pedro, fuimos en busca de su tumba. Sabíamos que verla marcaba el límite de nuestro recorrido tras la luz del gran hombre de Aix en Provence. Una placa dice: Paul Cézanne, 1839-1906, pintor impresionista. A un lado derecho del mausoleo y la cruz de piedra, bajo un cielo espléndido en el que ninguna nube se dibuja, se asoma, como una confesión de amor esperado, una punta de la montaña.
http://www.youtube.com/watch?v=PIDP3bO1QhU
http://www.youtube.com/watch?v=D25zQsfNPYY
http://www.youtube.com/watch?v=PIDP3bO1QhU
http://www.youtube.com/watch?v=D25zQsfNPYY
Nace en 1839 en Aix-en-Provence en el seno de una familia de gran holgura económica. En 1859 su padre compra una mansión, era una gran finca, y aquí es donde Cézanne entra en contacto con la naturaleza. Su padre le proporcionó una formación humanística muy amplia. Cézanne tuvo como condiscípulo a E. Zola, que le abrió todo el campo de la literatura romántica y los planteamientos del Realismo y Naturalismo, luego su amistad quedó rota. La primera formación fue en Aix-en-Provence siguiendo cursos de dibujo que tenían como punto de partida a David e Ingres. Sus primeras obras son las típicas copias. Su padre se empeñó en que estudiara derecho, con el apoyo materno consigue su traslado a París para empezar su carrera como pintor. Llega a París en 1861, allí es donde Zola le orienta. Comenzó a copiar en el Louvre, copia a Caravaggio, Rubens, el Greco, Zurbarán,Velázquez… También descubre la pintura del Romanticismo y del Realismo. De sus años de escuela se sabe que le gustaba la literatura y la poesía, de las que discutía con su compañero y amigo inseparable Émile Zola.La herencia de su padre le permitió vivir sin preocupaciones financieras, dedicándose totalmente a la pintura.Aunque incorporó las enseñanzas de Pissarro su pintura se aleja del impresionismo. En sus retratos, autorretratos, bañistas, paisajes, bodegones, las versiones de la montaña de Sainte-Victoire…se propuso «hacer a Poussin según la naturaleza«, buscando la estructura de la naturaleza en el cilindro y la esfera y captando pequeñas sensaciones para plasmarlas directamente en el lienzo.Observa intensamnete la cadencia de los volúmenes y el color en el espacio pictórico y con su pincelada constructiva crea el objeto, su esencialidad, su permanencia.Su obra es muy extensa, en los últimos treinta años vivió sólo para pintar, casi mil óleos y 400 acuarelas.La obra de Cézanne está atravesada por un sentido poético de la forma, el color y el espacio que no deja indiferente a nadie.
Figura fundamental para la vanguardia del siglo XX, Picasso y Matisse lo admiraron profundamente. Lleva una biografía monótona. Es autónomo y solitario. Él estuvo al margen de las exposiciones, realizó su labor de forma aislada. En su aislamiento concibe su pintura como investigación y búsqueda de la verdad. Él impuso una visión subjetiva.
De él nos dice Carlos Fleitas:
Si observamos muchas de las pinturas de Cezanne, éstas parecen el resultado de una técnica deficiente, inacabadas, como si fueran bocetos para una obra futura que nunca termina de concluir. Ensaya con diferentes perspectivas, agota los ángulos de la visión, como buscando todas las posibilidades para capturar algo evanescente, que se despliega en una multiplicidad inagotable. Es el artista que trabaja lentamente, no dando por finalizadas sus obras, dejándolas sin firmar, como a la espera de una develación que nunca llega.
Todo da la idea de un desfallecimiento, de una claudicación ante un objetivo que parece superar sus fuerzas, su inspiración, sus recursos técnicos… Que busca entonces, hasta probar las amargas aristas del fracaso? Un nuevo arte que siempre bordea y siempre se le escapa? O será una experiencia más allá de si mismo, que lo supera e inquieta? Es del creador que busca el Ser del que hablaremos. Del Cezanne que captura el paisaje y lo lleva a su atelier para reconstruir su visión, ese fulgor que presiente en sus observaciones, avanzando solitario hacia los confines de su yo.
Pero para recrearlo tiene que sacrificar el adentro-afuera, y por tanto la forma como clausura, la línea que en su cierre, genera una delimitación. Y a medida que avanza comienza a diluirla y entrevé que con ello, colapsan las reglas de la pintura tal cual las ha recibido. Sólo a través del contraste de colores puede mantener ciertas configuraciones, cierta reminiscencia del mundo que deja atrás, pues más allá del color, la línea y la forma, mas allá del lienzo, está el Ser, eterno, infinito, incesante en su movimiento y pulsación.
Cezanne logra llegar al final de su búsqueda del Ser, dejando en su obra quizás un fracaso, quizás una decepción, a saber, que no hay técnica posible en las artes que revelen al Ser en su pura esencia. Si algo demostró, es que el Ser se expresaría a plena potencia, en el lienzo en blanco, destino final de su arte. Destino y comienzo; pues no se trata del lienzo bidimensional sobre el que se apoya, ni un recorrido en círculo que partiría de la tela sin labrar, hasta el lienzo virgen de impresiones al que arribaría en la apoteosis de su contemplación.
Es otro su recorrido, el de una extraña figura -la Cinta de Moebius- donde las propiedades de lo idéntico se recrean en una nueva álgebra, que anuncia los descubrimientos que la Astrofísica comenzará a formular en este siglo.
Nada sabemos de su experiencia, si fue un destello o un instante dotado de una ligera levedad, tibia y humana. Pero si sabemos, que aunque no creó la nueva plástica, pues llegó a los límites de su arte, sí logró abrir la prisión de su yo, y observó -quizás por un instante- la cualidad de lo Eterno e Infinito, mas allá del tiempo, el espacio y la causalidad.
| El hallazgo de una conexión entre la inflamación de la úlcera de estómago y la bacteria Helicobacter pylori ha dado el Nobel a sus descubridores. El fenómeno estaba a la vista de todos, pero iba contra la verdad establecida. En la ciencia, igual que en la literatura y en el arte, lo que importa muchas veces no es ver por vez primera lo que otros no han visto nunca, sino ver con una mirada nueva algo que parecía común y que estaba a la vista de todos. La revolución visual del Cubismo procede en gran parte de la manera en que Paul Cézanne, en las últimas décadas del siglo XIX, miró con una atención nueva formas tan comunes como las de unas manzanas o unos jarros de flores, o un paisaje que no estaba en el otro extremo del mundo sino al otro lado de la ventana de su estudio. El mayor revolucionario de la novela moderna, James Joyce, se limitó a mirar y a escuchar con una precisión infinita lo que sucedía un día cualquiera en las calles más vulgares de Dublín, y a retratar en cuerpo y alma a un hombre, Leopold Bloom, al que nadie habría mirado si se cruzara con él por la calle, y a quien ningún otro novelista habría considerado digno de protagonizar una novela.
El que mira como no han mirado otros, el que ve lo que permaneció invisible para investigadores o expertos dotados de medios más poderosos de observación, es con frecuencia alguien que se encuentra al margen, que disfruta la libertad de no recibir demasiada atención y por lo tanto no se ve forzado a mirar las cosas de la manera más conveniente, a someterse a la ortodoxia y a lo establecido. Cézanne, pintor solitario y sin éxito, hizo su revolución a solas, en su retiro del sur de Francia, lejos de los salones y de las galerías de arte, del halago y la tiranía de la actualidad. James Joyce era un irlandés cegato y torpe para los asuntos prácticos y para las astucias literarias que se ganaba malamente la vida dando clases de inglés por las ciudades de Europa. |
Rue Casette 29, París VI
8 de octubre de 1907
…es divertido tras dos días de Salón d’Autome, darse una vuelta por el Louvre. Dos cosas chocan antes que nada: que toda intuición tiene sus advenedizos que, apenas se han apoderado de ella, la proclaman a los cuatro vientos, y luego que tales intuiciones no son quizá de las que produzcan un arte muy consciente.¡Como si esos maestros del Louvre no hubieran sabido ya que el color es lo que hace la pintura! Me he mirado bien los venecianos: son de un color indescriptiblemente consecuente; se percibe hasta dónde llega esto en Tintoretto. quizá más lejos aún que en Tiziano […]Cabría imaginar que alguien escribiera una monografía sobre el azul; desde el azul denso, ceroso, de los frescos de Pompeya, hasta Chardin o incluso hasta Cézanne: ¡qué biografía!. Porque el particularísimo azul de Cézanne tiene este origen, se deriva del azul del siglo XVIII, que Chardin despojó de su pretenciosidad, que sólo en Cézanne no conlleva un significado colateral. en esto hace Chardin de mediador; sus frutas no piensan en banquetes, están esparcidas sobre mesas de cocina y no presumen de ser comidas con elegancia.
Con Cézanne pierden todo carácter comestible, tan realmente se han transformado en cosas, hasta tal punto las hace indestructibles su pertinaz presencia. Cuando se miran los autorretratos de Chardin, se imagina uno que debió ser un viejo chiflado. En qué extremo y qué dolorosamnete lo fue Cézanne, quizá mañana te lo cuente. Sé algunas cosas sobre sus últimos años, cuando iba viejo y raído, y los chiquillos corrían detrás de él cuando se encaminaba diariamente al taller, arrojándole piedras como a un perro. Pero en lo íntimo, en sus adentros, era un ser maravilloso, y de vez en cuando le gritaba con rabia a uno de sus raros visitantes algo espléndido. Puedes imaginártelo tú misma. Adiós…; esto es todo por hoy…
Las luces provenzales esconden algún misterio, y si bien en este viaje me tocan días de lluvia percibo una luminosidad especial aún en la tormenta. Un matiz. Como si la lavanda, el tomillo, la menta, la salvia y el regaliz del campo se reflejaran en el cielo.
Muchos pintores franceses del siglo XIX buscaron esa luz de La Provence, y Paul Cézanne fue especialmente fanático. Cézanne nació en 1839 en pleno centro de Aix en Provence, no muy lejos de la fábrica de sombreros de su padre. Aunque en algunos tiempos viajó seguido, Cézanne siempre quería volver a La Provence.
“Cuando estaba en Aix, tenia la impresion que me encontraria mejor en otro lugar, ahora que estoy aqui, echo en falta Aix… cuando uno ha nacido alli, esta perdido, ya no le atrae ningun otro lugar”.
El atelier de Cézanne está a un par de kilómetros del centro de Aix. Se llega caminando sin problemas. La oficina de turismo local ha ideado cincocircuitos representados por cinco colores que siguen distintos recorridos que el pintor hizo en su época. Uno de ellos, el gris, lleva al atelier. Basta seguir unos cuadrados de bronce en la calzada que dicen Cézanne.
En todos los recorridos, está presente el Monte Saint Victoire, el monte fetiche del pintor, el que aparece en esta pintura y en otras 86, entre óleos y acuarelas. Las distintas luces sobre el Sainte Victoire fueron una de sus obsesiones.
Al parecer Cézanne fue un tipo solitario. No salía demasiado, ni tenía muchos amigos, salvo Emile Zola durante los años de su infancia y adolescencia. Tampoco vendió cuadros. Tenía un padre rico que le financiaba su vida artística y después un padre muerto que le dejó una herencia.
Cada tanto, algún amigo le compraba obra, casi como una ayuda porque se supo que varios de ellos, como Zola por ejemplo, nunca los colgaron. En vida fue un pintor ignorado. Hoy, se considera a Cezanne el padre del arte moderno y sus cuadros se venden en millones de dólares.
Para llegar al taller hay que caminar una subida larga, la misma que Cézanne caminaba todos los días hace 150 años. La casa se esconde en un monte de plátanos, olivos y pinos que por esta época lucen verdes y llenos de sombra.
El cuarto donde pintaba es enorme. Tiene un gran ventanal y todavía están los mismos muebles, algunos pinceles, una escalera alta y parte de los objetos que utilizaba para sus naturalezas muertas. Hasta se puede ver sus trajes de pintor y los sombreros que usaba (foto). Pero lo más lindo del atelier es el jardín que lo rodea, donde hoy se exponen obras de arte. Y el gato mimoso que anda por ahí. Todos querían que fuera Paul. Pero es Pola.
Cézanne es una figura fundamental para la vanguardia del siglo XX,Picasso y Matisse lo admiraron profundamente. Lleva una biografía monótona. Es autónomo y solitario. Él estuvo al margen de las exposiciones, realizó su labor de forma aislada. En su aislamiento concibe su pintura como investigación y búsqueda de la verdad. Él impuso una visión subjetiva.
Nace en 1839 en Aix-en-Provence en el seno de una familia de gran holgura económica. En 1859 su padre compra una mansión, era una gran finca, y aquí es donde Cézanne entra en contacto con la naturaleza. Su padre le proporcionó una formación humanística muy amplia. Cézanne tuvo como condiscípulo a E.Zola, que le abrió todo el campo de la literatura romántica y los planteamientos del Realismo y Naturalismo, luego su amistad quedó rota. La primera formación fue en Aix-en-Provence siguiendo cursos de dibujo que tenían como punto de partida a David e Ingres. Sus primeras obras son las típicas copias. Su padre se empeñó en que estudiara derecho, con el apoyo materno consigue su traslado a París para empezar su carrera como pintor. Llega a París en 1861, allí es donde Zola le orienta. Comenzó a copiar en el Louvre, copia a Caravaggio, Rubens, el Greco, Zurbarán, Velázquez… . También descubre la pintura del Romanticismo y del Realismo. Una referencia es Delacroix, en él encontró una pintura apasionada, vehemente, de contenido literario, muy importante para su primera etapa. Conoce la pintura de Courbet, Daumier y Millet que después le acercan a la realidad y le llevan a abandonar los contenidos literarios.
No consiguió el ingreso en la Academia de Bellas Arte de París, este fue su primer fracaso. Así, cada vez se va aislando más por la incomprensión del entorno.
Cézanne representa en pintura el eslabón que une el impresionismo y las vanguardias. Hijo de un banquero acomodado de Aix en Provenza, en su temprana juventud conoció en el colegio a Émile Zola, padre del naturalismo en literatura, quien por entonces soñaba con ser pintor. Por el contrario, el ideal de Cézanne era dedicarse de lleno a la literatura. Siguiendo a Zola, que se había trasladado a París, Cézanne hizo lo propio para preparar su ingreso a Bellas Artes, pero terminó por regresar a Aix y aceptar el empleo que su padre le ofreciera. En una nueva estancia en París frecuentó a su amigo Zola y conoció a Pissarro. Por influencia de este último, la pintura de Cézanne, hasta entonces academicista, oscura y empastada, comenzó a cambiar y se hizo más luminosa y colorida. No obstante, el rechazo de su obra en el Salón de Otoño, el interés por hacer pintura al aire libre y su relación con Hortense Fiquet, con la que terminaría casándose, volvieron a alejarlo de París. Finalmente, tras nuevos desengaños ¿como el que tuviera con Zola, en uno de cuyos personajes, el de un pintor fracasado, creyó reconocerse?, volvió a su Provenza natal, se separó de su mujer y se aisló para siempre. Su padre había muerto y él pudo dedicarse sin problemas a lo que realmente le interesaba: la pintura. El primer Salón de Otoño de 1904, dos años antes de su muerte, le dedicó una sala para él solo. Aunque tarde, le llegó el reconocimiento que tanto había esperado.
No deja de ser curioso que este provinciano rico y rudo terminara dando origen a dos de los movimientos de vanguardia más originales, el cubismo y el fauvismo, y creando, en potencia, lo que más tarde habría de ser el arte abstracto. Su idea de capturar a partir del color, y no de la forma, la realidad del objeto se plasmaría en el intento de «solidificar el impresionismo», como él mismo decía, buscando la estructura interna de las cosas. Esta preocupación por convertir la pintura en un instrumento de conocimiento del mundo, al modo que lo era la ciencia, es, en efecto, el punto de partida del arte moderno. Lo que Cézanne hizo en pintura tiene su correlato en lo que hiciera en literatura su amigo y compañero de colegio Émile Zola. Ambos extremaron el realismo hasta hacer prácticamente irreconocible la realidad que trataban de plasmar, pues, al aproximarse al detalle, al penetrar en el interior de las cosas, los contornos de estas se pierden y lo que queda en la mirada del espectador es el caos confuso de una realidad cuyo sentido final se nos escapa. Para poder percibir la realidad, el hombre necesita una distancia y un punto de vista, pero lo que la distancia y el punto de vista hacen es mostrarnos otra realidad, una rea-lidad que no es la cosa en sí (res, de donde realitas, realidad, «cualidad de real»), sino un reflejo de la cosa pervertido por la mirada, por los sentidos. Cézanne lo sabía y con la paciencia de un científico de laboratorio quiso diseccionar la cosa ante nuestros ojos para mostrarnos lo que realmente era. De ahí que una y otra vez pintara la Montaña de Santa Victoria, Los bañistas, Los jugadores de cartas o Las frutas que, según se dice, se iban pudriendo mientras él las observaba para poder trasladar a las dos dimensiones del lienzo la imposibilidad del volumen.
Han transcurrido algo más de cien años de los afanes de Cézanne y, pese a su modernidad, daría la impresión de que han pasado siglos. Tal ha sido la velocidad que imprimieran a las vanguardias en el siglo XX quienes le sucedieron. Sin Paul Cézanne nada de esto habría sido posible. Vale la pena que lo recordemos.
A PROPÓSITO 