Escenas del rodaje de «El gran Vazquez» y el recuerdo de «Tessa,la gran atracción».
En el cine casi nada es lo que parece.Todo es una ilusión.Bella pero ilusión al fin.En este caso recupero algunas imágenes del homenaje que el cine realizó al mundo del cómic .Concretamente en la persona de Santiago Segura interpretando el papel del dibujante español de tebeos Manuel Vázquez.Resultó realmente curioso asistir a una parte del rodaje en plena Gran Via de Barcelona.Con algunos detalles : el quiosco,el cartel del cine,los vehículos que no paraban de subir y bajar por el mismo tramo etc ,se reproduce el sabor de una época pasada.Las repeticiones hasta que se consigue una buena toma,consiguen que algo de pocos segundos dure muchos tiempo.En el cine Comedia de ese momento proyectaban «Tessa,la gran atracción» filme del 1962 con Pat Boone y la bellísima Nancy Kwan. El cine dentro del cine.
Biopic del dibujante de tebeos Manuel Vazquez,creador de La familia cebolleta,Anacleto ,agente secreto,o Las hermanas Gilda.
Un cantante con fama de bohemio y una joven artista de circo enamorados, se ven involucrados en un misterioso asesinato.
En el blog otro personaje singular.La novela corta y la película que muestran a un tipo «sencillo»,simple ,a un idiota en la tradición clásica (a lo Dostoyevski) un memo que puede ponerse en la carrera hacía la primera magistratura del país más poderoso.Un hombre cortado por un patrón muy limitado.Un hombre educado en la estrechez de miras de la caverna de Platón,bueno en su caso en un jardín.Precisamente serán el jardín y la televisión sus maestros,su fuente de información y ,finalmente sus mejores valedores para poder sobrevivir en un mundo muy hostil.Es ,claro está, una fábula creada por el escritor estadounidense Jerzy Kosinski,pero Mr Chance es a pesar de todo muy verosímil.¡Cuántos de ellos no conocemos o creemos entrever en el maremágnum de politicastros de medio pelo que nos gobiernan ! La película permitió una memorable interpretación ,última de su carrera,del siempre genial Peter Sellers.
La historia de Galería Maeght se inicia en Cannes, Francia, cuando en 1936 abrió sus puertas para un exclusivo público. Diez años después abrió sus puertas en Paris y más tarde se abre en Barcelona, dando cabida a muchos artistas que no encontraban cabida en los espacios más convencionales.
Grandes artistas y pensadores han estado ligados a esta galería y su Fundación Marguerite y Aimé Maeght, abierta por André Marraux en 1941 cuando era Ministro de Cultura, quienes trabajaron con el arquitecto catalán Joseph Lluis Sert para construir la galería y dar espacio al arte contemporáneo y al arte menos comercial.
Han sorteado grandes cambios en la sociedad y en el arte, pero son parte de la historia contemporánea de las galerías y el esfuerzo por potenciar la creatividad y expresión de nuevos artistas, así como apostaron por la pintura y la escultura de Miró, las grandes esculturas cinéticas de Calder y la creación sin límite de Picasso y Braque, como las esculturas de Chillida y otros que han expuesto en sus galerías para deleite del público.
Los horarios de atención son de lunes a sábado de 9:30 a 19:00, a excepción del lunes que sólo atiende hasta las 18:00.
Fue en 1936 cuando se abrió en Cannes.La primera «Galerie Maeght» lo hizo en 1946 en París. Y se exhibirán los más grandes artistas internacionales, tanto en francés como Braque, Matisse, Léger, español: Miró, Tàpies o Chillida, los rusos: Chagall, Kandinsky, EE.UU.: Kelly o Calder, Giacometti Suiza:, sino también de cualquier país de Europa y Asia: Bram van Velde, Tapies, Ubac, Tal-Coat, Bazaine, Chillida, Riopelle, Alechinsky Rebeyrolle, Adami, Monory, Ting.
Maeght hoy no es sólo un museo en el sur de Francia, sino también una galería en París y Barcelona.
La Galería Maeght hoy está dirigido por Isabelle Maeght. Las exposiciones ofrecen a los visitantes y compradores el encuentro con obras, pinturas, esculturas o fotografías, así como con artistas históricos de fama internacional y descubrir las obras de nuevos talentos de este tenor: Gerard Gasiorowski, Marco Del Re, Gurbuz Selma, Aki Kuroda, Manolo Valdés, Sufan Oh, Ernst Scheidegger. Yoyo Maeght, a cargo de las empresas de desarrollo y comunicación Maeght Maeght es el director de la editorial que publica muchos libros, reproducciones, láminas y grabados.
Originalmente Maeght abrió una imprenta y pronto se convirtió en editor de libros y grabados. Hoy en día, la tradición se mantiene gracias a Jules Maeght, que acoge y promueve a los artistas la creación de gravados y litografías. Maeght imprime reproducciones cerca de Montparnasse, en París. Todas las técnicas de impresión, desde la más tradicional a la mayor parte de la vanguardia o la tecnología punta están a disposición de los artistas en sus talleres: litografía, aguafuerte grabado o carburo de silicio, punta seca, xilografía, aguatinta , la impresión digital … El sorteo de cada impresión se limita a unas pocas docenas de ejemplares que están numerados y firmados por los artistas. Con 12.000 títulos, Editeur Maeght es reconocido como el mayor editor de litografías y grabados en el mundo.
Genio visionario, Aimé Maeght, 1906-1981, era a la vez un comerciante de arte, editor, productor de cine, coleccionista negrita. Buen pase de su hijo Adrián, el hombre no sólo ha conseguido dar un prestigio excepcional y el estado de la profesión de comerciante de arte, pero también ha desarrollado un apasionado coleccionista y sus actividades como mecenas del arte contemporáneo mediante la creación en el año 1964 , Saint Paul de Vence, la Marguerite y Aimé Maeght Fundación. Este es el primer museo privado construido en Francia de acoger el arte contemporáneo, sino también el primero diseñado con la colaboración de los artistas. 200.000 personas visitan anualmente la Fundación Maeght y sus famosos jardines de esculturas de Miró, Giacometti, Calder, Braque, Chagall y Léger. Exposiciones magistrales de impacto internacional se presentan cada año. Su colección está compuesta por más de 10.000 obras, entre ellas 50 esculturas de Giacometti, 150 esculturas de Miró, el más grande de la pintura de Chagall.Fuente : http://www.maeght.com/histoire/galerie-maeght.html
Fue en 1936 cuando se abrió en Cannes.La primera «Galerie Maeght» lo hizo en 1946 en París. Y se exhibirán los más grandes artistas internacionales, tanto en francés como Braque, Matisse, Léger, español: Miró, Tàpies o Chillida, los rusos: Chagall, Kandinsky, EE.UU.: Kelly o Calder, Giacometti Suiza:, sino también de cualquier país de Europa y Asia: Bram van Velde, Tapies, Ubac, Tal-Coat, Bazaine, Chillida, Riopelle, Alechinsky Rebeyrolle, Adami, Monory, Ting.
Maeght hoy no es sólo un museo en el sur de Francia, sino también una galería en París y Barcelona.
La Galería Maeght hoy está dirigido por Isabelle Maeght. Las exposiciones ofrecen a los visitantes y compradores el encuentro con obras, pinturas, esculturas o fotografías, así como con artistas históricos de fama internacional y descubrir las obras de nuevos talentos de este tenor: Gerard Gasiorowski, Marco Del Re, Gurbuz Selma, Aki Kuroda, Manolo Valdés, Sufan Oh, Ernst Scheidegger. Yoyo Maeght, a cargo de las empresas de desarrollo y comunicación Maeght Maeght es el director de la editorial que publica muchos libros, reproducciones, láminas y grabados.
Originalmente Maeght abrió una imprenta y pronto se convirtió en editor de libros y grabados. Hoy en día, la tradición se mantiene gracias a Jules Maeght, que acoge y promueve a los artistas la creación de gravados y litografías. Maeght imprime reproducciones cerca de Montparnasse, en París. Todas las técnicas de impresión, desde la más tradicional a la mayor parte de la vanguardia o la tecnología punta están a disposición de los artistas en sus talleres: litografía, aguafuerte grabado o carburo de silicio, punta seca, xilografía, aguatinta , la impresión digital … El sorteo de cada impresión se limita a unas pocas docenas de ejemplares que están numerados y firmados por los artistas. Con 12.000 títulos, Editeur Maeght es reconocido como el mayor editor de litografías y grabados en el mundo.
Genio visionario, Aimé Maeght, 1906-1981, era a la vez un comerciante de arte, editor, productor de cine, coleccionista negrita. Buen pase de su hijo Adrián, el hombre no sólo ha conseguido dar un prestigio excepcional y el estado de la profesión de comerciante de arte, pero también ha desarrollado un apasionado coleccionista y sus actividades como mecenas del arte contemporáneo mediante la creación en el año 1964 , Saint Paul de Vence, la Marguerite y Aimé Maeght Fundación. Este es el primer museo privado construido en Francia de acoger el arte contemporáneo, sino también el primero diseñado con la colaboración de los artistas. 200.000 personas visitan anualmente la Fundación Maeght y sus famosos jardines de esculturas de Miró, Giacometti, Calder, Braque, Chagall y Léger. Exposiciones magistrales de impacto internacional se presentan cada año. Su colección está compuesta por más de 10.000 obras, entre ellas 50 esculturas de Giacometti, 150 esculturas de Miró, el más grande de la pintura de Chagall.Fuente : http://www.maeght.com/histoire/galerie-maeght.html
Desde la década de los 60 se venía incubando y gestionando la idea de la necesidad de un museo de arte especializado en la segunda mitad del siglo XX en laciudad de Barcelona.Después de arreglos y desarreglos, el MACBA se inauguró en Noviembre de 1995 y actualmente está dirigido por Manuel J. Borja-Villel.
Richard Meier es el arquitecto norteamericano que creó el edificio. Es un claroestilo racionalista con las bases concebidas por Le Corbusier. Grandes fuentes de luz natural hacen que los espacios interiores se expandan y se agranden. Las lineas claras y combinación de curvas con rectas, hacen un todo armonioso en una planta estructurada en cuatro espacios cuadrangulares claros, articulados por uno circular que los divide y los organiza .
También forma parte del museo la iglesia del S.XV delconvento dels Angels. Es un recinto expositivo de arte contemporáneo singular ya que cuenta con planta de cruz latina y el más puro estilo gótico.
Las lineas discursivas de este museo son las de concepción de museo moderno; en el que no se trata de crear arte para ser contemplado, sino que el arte se hace para, con y desde el espectador. Es tan importante en el MACBA una exposición, como una conferencia, la presentación de un libro, como un taller o cualquier otra actividad que conlleve avanzar en el mundo de la experimentación artística.
Lo que pretenden enseñar sobre todo, es el arte último del siglo XX; es decir, gente actual que tiene su obra madura y está dispuesta a mostrarla y seguir experimentando con ella.
El museo se articula en exposiciones siempre temporales con una duración aproximada de tres o cuatro meses. Recoge exposiciones itinerantes y plantea exposiciones propias. Además, mes a mes, el museo se va haciendo con unos fondos fijos muy interesantes.Fuente:http://artescontemporaneos.com/macba-museu-dart-contemporani-de-barcelona/
Un gran college de la Universidad de Oxford. Elitista,trece primeros ministros británicos se formaron aquí, aunque ahora se nutre tanto de alumnos de escuelas públicas como privadas.Recibe continuas visitas de turistas.Muchos quieren ver la escalera y el comedor o sala común,que quedaron «inmortalizados» en la serie de películas de Harry Potter…
La gerundense localidad costera de Tossa de Mar ,en el corazón de la Costa Brava,posee un tipismo que agrada y atrae a todo tipo de visitantes.Su casco urbano es variado,pero tiene casas de gran personalidad.La zona «intra muros» es especialmente atractiva.Me recuerda a poblaciones como las de Hostalric,Peñíscola,Montblanc,Aigues Mortes o la Cité de Carcasona.Es un conjunto de pequeñas casas.en pendiente dentro de un recinto amurallado frente al mar.
La estrella de Hollywood Ava Gardner se enamoró de y en esta población,mientras rodaba una película en 1951.
Hace diez años el Ayuntamiento de Tossa de Mar (Girona) creó una ruta guiada por los escenarios en los que se rodó la película ‘Pandora y el holandés errante’, protagonizada por la actriz estadounidense.
La ruta, que fue bautizada con el nombre ‘La caixa de Pandora’ (La caja de Pandora), se inicia en la sala de exposiciones municipal en la que se encuentran expuestos cuadros con escenas filmadas en la población.
Durante el recorrido, que dura dos horas, el guía suministra a los participantes elementos relacionados con las historias y leyendas que explica y que se van depositando en la caja que cada uno ha recibido antes de salir. La ruta finaliza con una cena temática.
En el Blog un vistazo plural,a los antecedentes de los «antisistema».Aquellos que en diversas épocas,también ahora, se salen de norma y piden un mundo diferente.A ese «remar en contra» ,se le ha llamado de diversas maneras ,durante años estaba mal visto .Ahora plenamente incorporados sus modos y manifestaciones culturales al sistema que denunciaban,se les usa como nuevos iconos del capitalismo.Se usa y abusa de esa terminología con finalidad espúrea.Las manifestaciones gráficas,musicales,literarias,culturales en suma ,se han ido incorporando en la corriente general y pasan por simples manifestaciones de la cultura pop.La terminología es usada hasta por el Papa,que apela a la «contracultura de los jóvenes al propagar el Evangelio…» Los movimientos de la contracultura se formaron en la década de los años 60, y fueron un intento de enfrentar, a nivel ideológico y práctico, los esquemas mentales y el reparto de poder en las sociedades industrializadas.
«Probablemente el slogan más emblemático del Mayo del 68, aunque tras todos estos años le haya ocurrido como al propio movimiento contracultural de los 60-70: ha acabado banalizado y absorbido por la sociedad de consumo a la que se enfrentaba, hasta el punto de ser utilizado en diversos anuncios publicitarios. Cabe, por tanto preguntarse -40 años después- sobre el significado del slogan y el porqué se convirtió en una referencia de toda una generación».En palabras de Luis Ruiz Aja.
«De hecho, aunque el slogan ‘La imaginación al poder’ surge de un panfleto-discurso de uno de los grupos estudiantiles más activos del mayo francés (los situacionistas), posteriormente fue vertido a las famosas pintadas de las paredes universitarias, y acabó traspasando fronteras al convertirse en un ‘grito de guerra’ de los movimientos juveniles que proliferaron en tantos países a finales de los 60, cobrando dicha frase un significado simbólico mucho más amplio que el que ostentaba en el texto inicial.»
«Y es que la frase reflejaba ese ‘cambio social cualitativo’ (en palabras de Marcuse) que reclamaban en el 68 para pasar de una sociedad tan obsesionada por ‘tener’ a otra más preocupada por ‘ser’; así como ese cambio individual en las consciencias que debía preceder al anterior (los jóvenes contraculturales partían de la constatación de que no era posible alcanzar la emancipación del hombre por la vía meramente institucional o revolucionaria, si ello no iba acompañado de un cambio psicológico, necesario para salvar a la humanidad del desastre nuclear y ecológico que le acecha, y liberar al individuo de todas las formas de represión -internas y externas- a las que se ve sometido en las sociedades avanzadas)».
Para Esther López-Portillo:»El mundo, aunque del mismo tamaño que en el principio de los tiempos, a través de los siglos ha visto crecer y diversificarse a la población humana. En las sociedades que constituyen los distintos países del planeta existe, generalmente, una forma de ver el mundo que determina el deber ser para los individuos y es ante esa forma establecida como surgen los movimientos contraculturales que se oponen a lo existente.
Esto ha sucedido a través de la historia en diferentes ámbitos de la vida y con motivaciones diferentes. Un buen ejemplo para hablar sobrecontracultura son las tribus urbanas, que se manifiestan a través de movimientos y expresiones juveniles que adquieren distintos sentidos y significados, con el fin de enfrentar y trascender lo establecido y ser parte de un grupo.»
Luis Ruiz Aja destaca «tres aspectos básicos de los movimientos juveniles de finales de los 60: Creatividad y búsqueda interior: La contracultura del 68 se rebeló contra los excesos de la ‘razón razonante’ (el sueño de la razón produce monstruos, decía Goya), en el sentido de rechazar la razón como modo único de conocimiento y tratar de que el hombre experimente y desarrolle todo su potencial creativo, imaginativo, sensitivo, espiritual , o lo que es lo mismo: compensar el abuso que hacemos del hemisferio izquierdo del cerebro (el lógico-analítico) con un desarrollo de las capacidades del hemisferio derecho creatividad, arte, intuición ) Y es que el hemisferio derecho resulta muy útil para muchas de las tareas que realizamos cotidianamente (comprar, vender, escribir, elucubrar, temer, preocuparnos ) pero es incapaz -por poner un ejemplo- de componer una bella canción, ni siquiera de arrebatarse escuchándola .»
Los primeros posicionamientos contra el sistema empezaron durante los años 50, entre escritores de clase media y obrera. En los Estados Unidos se les denominó Generación Beat y en Reino Unido los Jóvenes Iracundos (Angry Young Men). Éstos veían como la prosperidad que vino después de la II Guerra Mundial, si bien les permitía tener mayor capacidad de consumo, no les evitaba sentirse extraños frente a sus trabajos y al sistema de valores en el que vivían. Las promesas de liberación y de igualdad de oportunidades que habían difundido los partidos obreros antes y durante la guerra, no se estaban llevando a cabo.
Uno de los primeros grupos de jóvenes antisistema en Europa fueron los Teddy Boys en Inglaterra. Los Teddy Boys eligieron sus propias ropas, sus músicas y sus propios códigos morales para expresar su malestar ante el sistema, y marcar una brecha respecto a la generación de sus padres. Después de los Teddy Boys vinieron los Rockers, los Mods y multitud de otros grupos juveniles, a menudo estigmatizados por la prensa tradicional, que los tildaba de peligro social.
Aunque hubiera un rechazo a las instituciones establecidas, muchos de estos grupos seguían los modelos de consumo que la nueva sociedad postbélica necesitaba. Muchos jóvenes de clase obrera no dudaban en gastarse lo que les sobrara de sueldo en ropa, música y complementos que dejaran claro cuáles eran sus posturas ante la vida.
Estos grupos antisistema prepararon la llegada, en los años 60, de la contracultura. Fue en esta década cuando el malestar social se tradujo en opciones concretas de vida alternativa. La oposición a la guerra de Vietnam, la alienación de los trabajadores, las instituciones familiares tradicionales, el movimiento por el desarme nuclear o las formas de alimentarse, fueron algunos de los frentes de batalla de estos grupos.
«De un lado, el término contracultura puede referirse al conjunto de movimientos de rebelión de la juventud […] que marcaron los años 60: el movimiento hippie, la música rock, una correcta movilización en las universidades, viajes de mochila, drogas y así por delante. […] Se trata, entonces, de un fenómeno datado y situado históricamente y que, aunque mucho próximo a nosotros, ya forma parte del pasado”. […] “De otro lado, el mismo término puede también referirse a alguna cosa más general, más abstrata, un correcto espíritu, un correcto modo de contestação, de enfrentamiento delante de la orden vigente, de carácter profundamente radical y bastante extraño a la fuerzas más tradicionales de oposición a esta misma orden dominante. Un tipo de crítica anárquica – esta parece ser la palabra-llave – que, de cierta manera, ‘rompe con las reglas del juego’ en términos de modo de hacerse oposición a una determinada situación. […] Una contracultura, entendida así, reaparece de tiempos en tiempos, en diferentes épocas y situaciones, y acostumbra tener un papel fuertemente revigorador de la crítica social.» (Pereira, 1992, p. 20).
El término “contracultura” estuvo de moda en mayo del 68. Fue entonces cuando Theodore Roszak publicó un libro excitante (“El nacimiento de una contracultura”) que llamó mucho la atención, sobre todo entre la juventud de Estados Unidos. Roszak decía: “Entendemos por contracultura una cultura tan radicalmente desviada o desafecta a los principios y valores fundamentales de nuestra sociedad, que a muchos no les parece siquiera una cultura, sino que va adquiriendo la alarmante apariencia de una invasión bárbara”. Era el tiempo de los jipis, las revueltas juveniles en las universidades, los Beatles, la lectura apasionada de H. Marcuse o de “El Extranjero” de A. Camus.
Movimientos contraculturales los ha habido desde tiempos remotos. Roszak recordaba la “invasión de los centauros”, que quedó plasmada en el frontón del templo de Zeus en Olimpia. Ebrios y furiosos, los centauros invaden las fiestas civilizadas que se están celebrando. Pero surge un severo Apolo, guardián de la cultura ortodoxa, que se adelanta para recriminar a los perturbadores y echarlos fuera. Era una buena imagen para representar lo que estaba pasando en los añorados y denostados años 60. Los centauros (pensaba Roszak) eran los jóvenes de entonces, que irrumpieron en la sociedad de aquel tiempo, con una concepción de la vida que nada tenía que ver con la cultura dominante.
Arnold J. Toymbee vio en el cristianismo primitivo otro de los grandes movimientos contraculturales de la historia. A juicio del historiados inglés, los primeros cristianos fueron los “proletarios desheredados”, que, a partir de unos valores radicalmente nuevos, influyeron decisivamente en la trasformación del Imperio Romano. Es verdad que la tesis de Toymbee necesita ser matizada (P. Heather). Pero lo importante, en cualquier caso, es que los “centauros” de los años 60 no fueron precisamente proletarios, sino intelectuales. Y aquí es donde llegamos al punto que interesa en este momento. Estamos asistiendo al nacimiento de otra contracultura: la aparición de valores, formas de pensar y pautas de conducta que a casi todos nos tienen desconcertados. Porque los promotores de la nueva situación no son ya ni los proletarios, ni los intelectuales. Hemos entrado de lleno en nueva etapa de la historia, en la que no interesan los proletarios ni lo que ellos representan; y en la que los intelectuales se van extinguiendo como una especie que se precipita hacia su desaparición. No hace mucho me decía el director de una editorial importante: “ya hay una generación entera que no lee”. Hay ya demasiada gente a la que le basta con internet. Basta apretar el ratón del ordenador para tener cantidades abrumadoras de información. Pero, teniendo tanta información, no se sabe qué hacer con ella. Ni se sabe a dónde vamos, acumulando tanto saber, pero sin saber para qué sirve. Ni se sabe estructurar un pensamiento. Y menos aún, un pensamiento crítico. A fuerza de publicidad, consumo y bienestar, nos han embrutecido hasta el punto de que, pensando que somos libres, en realidad nos tienen más controlados que nunca. Pero controlados, ¿para qué? Eso no lo saben ni los que nos controlan. Cuando más sabemos de política, la política está más desprestigiada que nunca. Cuando más sabemos de economía, la economía se ha metido en la peor de todas sus crisis. Cuando más se habla de ética, hay más corrupción. Cuando es tan frecuente hablar de curas y obispos, las iglesias están vacías y las religiones andan a la greña, perdiendo credibilidad a marchas forzadas.
¿Qué nos está ocurriendo? Una ciencia para potenciar la tecnología, y una tecnología que ya es imposible abarcar, todo eso al servicio de los intereses de una economía desbocada, esas tres cosas, ciencia, tecnocracia y capital, la nueva trinidad que manda en el mundo, ha desplazado al pensamiento, se ha dado cuenta de que le estorba el proletariado y su enorme potencial de transformación histórica; como igualmente le estorban los intelectuales que piensan en la realidad desde una postura libre y crítica, capaz de darle un giro distinto a este cúmulo de despropósitos y desconciertos. Cuando hay tanta gente que ya no quiere pensar, sino a lo sumo entretenerse, mal van las cosas. Hoy es elocuente visitar una librería. Casi todo lo que se publica es narrativa, novela, historia, cuentos…, muy poco de ensayo y casi nada de pensamiento serio, que vaya al fondo de las cosas. A lo sumo, se reedita y se repite lo que otros pensaron en tiempos pasados y para situaciones que no son las nuestras. Así las cosas, en este desbarajuste de hechos y decisiones que no sabemos a dónde nos llevan, sólo somos capaces de pensar en la salida de la crisis. ¿Para qué? Para recuperar las condiciones de vida que nos metieron de lleno en la crisis. Y no hablo sólo de crisis económica. Cuando estamos dispuestos a tropezar de nuevo en la misma piedra, no cabe duda de que esto tiene muy mala pinta. Yo no tengo la solución. Me limito a pedir que entre todos la busquemos.
Publicado con fecha 17/1/2010 en “Ideal”, de Granada.
José M. Castillo
En su libro la contracultura a través de la Historia Ken Goffman viene a decir que las revoluciones culturales no nacieron en los años 60 a rebufo del LSD sino mucho antes, cuando por ejemplo Prometeo robó el fuego a los dioses. Y más tarde siguieron otras revoluciones, como la de Sócrates, el taoísmo, el zen, los sufíes, los trovadores medievales o los artistas del París bohemio, que dieron paso al dadaísmo, el cubismo y el surrealismo. Incluso Goffman se proyecta hacia el futuro, con otra de las grandes revoluciones contraculturales, la que se sucede en Internet, en el cibermedio. ¿O es que los hackers informáticos no actúan en cierta medida como Prometeo, liberando los cerrojos que evitan que el conocimiento tenga libre circulación?
Ken Goffman tampoco se toma demasiado en serio su propio libro, ni a él mismo, impregnándolo todo de cierta ironía: Goffman se hace llamar a sí mismo R.S. Sirius, lo cual nos recuerda un poco a Jocker. Además, aprovecha de vez en cuando para soltarnos perlas autobiográficas que están llamadas a entender por qué el propio Goffman se ha convertido en un antisistema.
En cuanto al movimiento Hippie o jipi según el Blog de etik cientifik izar & zara «fue un movimiento juvenil que tuvo lugar en los últimos años de la década de 1960 y que se caracterizó por la anarquía no violenta, la preocupación por el medio ambiente y el rechazo al materialismo occidental. Los hippies formaron una contracultura políticamente atrevida y antibelicista, y artísticamente prolífica en Estados Unidos y en Europa.
Su estilo psicodélico y lleno de colorido estaba inspirado por drogas alucinógenas como el ácido lisérgico (LSD) y se plasmaba en la moda, en las artes gráficas y en la música de cantantes como Janis Joplin o de bandas como Love, Grateful Dead, Jefferson Airplane y Pink Floyd. Tenían un carácter hedonista. Según ellos, el sufrimiento no era necesario para la felicidad. Su idea era una vida simple e igualitaria para todos. Se demuestra con su lema, «Peace and Love».
Otro de sus símbolos es el festival de Woodstock, el festival de música y arte de Woodstock fue uno de los festivales de rock más famosos de la historia. Tuvo lugar en una granja de Nueva York los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969. »
Para la Blogera una hippie del 70:
Se llama Hippie al movimiento contracultural de los años 1960, así como también a los seguidores de dicho movimiento. La palabra hippie deriva del inglés hipster que solía usarse para describir a la subcultura previa de los beatniks (no confundir con Generación Beat), que también tuvo como base importante a la ciudad estadounidense de San Francisco (California) y su distrito Haight-Ashbury. Esta nueva subcultura heredó algunos valores contraculturales de la Generación Beat y en menor grado del naturismo alemán, y en determinados casos crearon sus propias comunidades intencionales.
Escuchaban rock psicodélico y folk contestatario, abrazaban la revolución sexual y creían en el amor libre. Algunos participaron en activismo radical y en el uso de drogas como la marihuana, el LSD y otros alucinógenos con la intención de alcanzar estados alterados de conciencia, en realidad una forma de autorebelarse por la homogeneidad de conceptos que nos presenta el sistema. También buscaron formas de experiencia poco usuales, como la meditación. Debido a su rechazo al consumismo solían optar por la simplicidad voluntaria, ya sea por motivaciones hedonistas, espirituales-religiosas, artísticas, políticas, o ecologistas.
A finales de los años sesenta en EE.UU. los hippies constituyeron una corriente juvenil masificada, para después quedar pasada de moda (anticuada), pero las siguientes generaciones llamados neo-hippies mantendrían vivo al movimiento como una subcultura establecida en muchas formas y con nuevas generaciones hasta hoy. Así pues han emergido fenómenos como la Rainbow Family, la escena psytrance y goa trance o los deadheads y phishheads. En tanto pequeños enclaves de hippies originales y neo-hippies continúan desarrollando en parte este estilo de vida, aunque con algunas modificaciones, bien en la ciudad o en el campo.
En su blog manzanamecánica.org,Carlos Castillo analiza el libro de RU Sirius
«Counterculture through the ages» (2004) es un muy breve repaso de un período largo de la historia, que va desde la revolución monoteísta de Abraham, pasando por el Taoísmo y el movimiento hippie entre otros, para terminar en la explosión de la blogósfera.
La contracultura es el abandono, usualmente no violento, de lo que es habitual en una época. Normalmente cada época incluye al menos un par de tendencias contraculturales: una prometeica, tecnofila e iluminada y una anti-prometeica, primitivista y más contemplativa. En nuestra época, estas dos contraculturas son los geeks y el movimiento antiglobalización.
El hecho de que se pueda pertenecer a ambas es una señal, en mi opinión, de que ambos movimientos están siendo ya asimilados dentro del mainstream, contaminando con su carga memética la historia futura, tal como hicieron las contraculturas anteriores, y posiblemente abriendo el paso a nuevas contraculturas.
Cada contracultura es rechazada por la sociedad en forma violenta primero, pasando por las etapas que describió Gandhi: primero te ignoran, luego se ríen de tí y te odian, luego luchan contra tí, luego tú ganas. Por lo mismo las sociedades avanzadas inventan formas sutiles para inhibir de raíz la aparición de revoluciones y mantener al populacho tranquilo. Guy Debord considera a la aparición de una «sociedad de espectadores» una de ellas:Una acumulación sin fin de espectáculos – avisos, entretenimientos, tráfico, rascacielos, campañas políticas, tiendas por departamentos, eventos deportivos, reportajes de noticias, tours de arte, guerras extranjeras, lanzamientos especiales – estos hacen un mundo moderno, un mundo en el cual toda la comunicación sigue en una dirección, del poderoso al que no tiene poder… Una acumulación sin fin de espectáculos – avisos, entretenimientos, tráfico, rascacielos, campañas políticas, tiendas por departamentos, eventos deportivos, reportajes de noticias, tours de arte, guerras extranjeras, lanzamientos especiales – estos hacen un mundo moderno, un mundo en el cual toda la comunicación sigue en una dirección, del poderoso al que no tiene poder… El espectáculo naturalmente produce espectadores, no actores: hombre y mujeres modernos, ciudadanos de la más avanzada sociedad sobre la tierra, que están encantados de ver cualquier cosa que les ofrezcan para ver…
«La contracultura ha sustituido casi por completo al socialismo como base del pensamiento político progresista. Pero si aceptamos que la contracultura es un mito, entonces muchísimas personas viven engañadas por el espejismo que produce, cosa que puede provocar consecuencias políticas impredecibles.»
Asegurada la polémica tanto con los partidarios de No Logo de Naomi Klein como con sus opositores, Joseph Heath y Andrew Potter destrozan el mito que sigue dominando el pensamiento político, económico y cultural en el que se basan tanto el movimiento antiglobalización como el feminismo y el ecologismo. Estos jóvenes profesores canadienses defienden que las décadas de rebelión contracultural no sólo no han servido para nada, sino que han resultado contraproducentes para los fines que pretendían alcanzar. Nos hemos acostumbrado tanto a los ataques de la derecha contra la contracultura que cuesta imaginar cómo sería una crítica desde la izquierda.
En una narración de gran alcance en la que se mezclan la historia de la cultura pop, el manifiesto político y el análisis social, este libro se detiene en el nacimiento de la contracultura, en su espíritu contrario a las normas, en la rebelión como signo de diferenciación y el nacimiento del consumidor rebelde, en los cazatendencias, y en cómo reconciliarse con la masificación y transformar a los consumidores en ciudadanos.»
Con sorprendente claridad, en Rebelarse vende de Joseph Heath y Andrew Potter se reivindica, desde la crítica contracultural, la necesidad de preocuparse más por cuestiones de justicia y equidad para lograr auténticos avances sociales.
Rosa Suarez afirma que «La contracultura no consiguió convertir el mundo. Fue, como afirma la investigadora Elizabeth Nelson, “más rebelde que revolucionaria”. Aún así, su impacto tuvo un gran alcance. El cómo una sociedad se imagina mundos alternativos es significativo de lo que se cree capaz de hacer. Durante los años del auge de la contracultura, los que participaban en ella tuvieron la impresión de que un mundo a su medida era alcanzable.
Que hoy podamos imaginarlos la destrucción del mundo o una invasión de alienígenas, pero no una alternativa viable al sistema de la economía de mercado, es, citando al filósofo Jameson, muestra de “alguna debilidad de nuestra imaginación”.
Películas que recogen el espíritu del modelo contracultural en los EEUU:
Easy Rider (Buscando mi Destino) (1969) Dos motoristas de pelo largo de Los Ángeles se embarcan en un viaje hacia Nueva Orleans, cruzando el país por carretera, intentado descubrir América. Después de una venta de cocaína a un hombre de Los Ángeles llamado Connection, Billy y Wiatt, conocido como el Capitán América, asisten a una fiesta de Mardi Gras. Pronto emprenden el viaje a lomos de sus dos modernas motos, conduciendo a través del suroeste. En el camino se encuentran a un montón de inusuales personajes, entre ellos un ranchero y su familia, o un autoestopista de una comuna hippie, antes de ser arrestados en un pueblecito por parar sin un permiso. Su compañero de celda, un abogado borracho, les hace un gran favor sacándoles de la cárcel y luego decide unirse a ellos. George descubre los placeres de fumar hierba, pero un encuentro con unos ultraviolentos ángeles del infierno del sur prueba rápidamente lo acertado que está con respecto a lo peligrosas que son las vidas de Billy y Wyatt en un país que ha perdido sus ideales.
Hair es una película musical de 1979 basada en la obra de teatro musicaldel mismo nombre (Hair) de 1967, cuya banda sonora ha sido editada posteriormente y que trata sobre la cultura hippie en los Estados Unidosdurante la guerra de Vietnam. La película fue dirigida por Miloš Forman, que fue nominado por ella para los Premios César a la mejor película extranjera, y tiene como protagonistas a Treat Williams, John Savage,Beverly D’Angelo, Lee «Skeleton» Wilson, Don Dacus y Annie Golden.
Peter Fonda y Dennis Hopper se enfrentan en esta «road movie» a las realidades de la «América profunda»,donde el estilo de vida libre y marginal ,no es del todo bien comprendido por los habitantes de los pequeños y «cerrados» pueblos que atraviesan a toda velocidad con sus magníficas motos «Harley» y «Chopper».
«Hair»,el maravilloso musical «Hippie».Es un bellísimo alegato contra la guerra de Vietnam.Pero sin duda podría servir de inspiración a los actuales «antisistema».A cualquier espíritu crítico con el actual estado de cosas.Capitalismo y economía dominada por el dinero quedan criticadas desde el arranque de la película.Los acordes del tema musical «Aquarius» suenan mientras los hippies protagonistas queman tarjetas de crédito,mientras leen las penas por destruirlas o manipularlas…
El contraste entre el chico que viene del medio rural,religioso,conservador,bienpensante,por eso precisamente se va sin rechistar a la guerra,contrasta fuertemente con todas las manifestaciones de la «Contracultura hippie»,esto es,el amor libre,el uso de drogas psicodélicas,la libertad de pensamiento y atuendo,la vagancia y el vagabundeo,la creatividad artística etc etc
Es ,como he dicho, de una belleza y de una frescura que no se ha visto ajada por el paso de los años.Varias de sus canciones se han utilizado en publicidad.Paradojas de la vida ,una película icónica de la «Contracultura»,sirviendo a la multinacional Coca-Cola etc
En el Blog una novela gótica,un monumental relato de aventuras en la España dieciochesca.Se ha dicho de ella que es tan rica y variada como «Las mil y una noches»,pero a diferencia de aquella el autor es conocido.El autor,el creador de esta obra entre visionaria y fantástica, no es otro que el conde polaco Jan Potocki (1761-1815) quien supo combinar de forma inusual la mentalidad ilustrada del siglo XVIII y el gusto decimonónico por lo exótico.Parece ser que los mismos fueron estimulados por sus numerosos viajes a lugares lejanos como curioso o miembro de misiones diplomáticas. El «Manuscrito encontrado en Zaragoza», supuestamente descubierto por un oficial napoleónico en el sitio de la capital aragonesa, es una obra maestra de la literatura fantástica de todos los tiempos que entremezcla de forma singular historias en las que predominan lo macabro y lo sobrenatural, anticipando así la gran literatura de terror romántica, y narraciones en las que desempeña un importante papel el ocultismo que hunde sus raíces en la vieja tradición de la cábala y la hechicería.
Contemporáneo de Mrs. Radcliffe y E.T.A. Hoffmann, el conde Jan Potocki nació en 1761 en el castillo de Pikow (Polonia) y fue un hombre ilustrado hasta la erudición, demócrata, progresista, etnógrafo, viajero empedernido y aventurero, que acabó sus días en 1815, suicidándose en su biblioteca con una bala de plata que él mismo había pulido pacientemente. El Manuscrito encontrado en Zaragoza es una de las obras más legendarias y emblemáticas de la literatura fantástica, cuyo texto íntegro, incluyendo su extensa segunda parte. De estructura laberíntica, narrada al modo de los decamerones, la obra transcribe el manuscrito hallado por un oficial de las tropas napoleónicas en Zaragoza, y cuenta las peripecias y viajes del noble caballero Alfonso Van Worden, episodios vividos o referidos sobre «bandidos, almas en pena y adictos a la Cábala», en una visión pintoresca, fantástica y prerromántica de la España profunda del siglo XVIII, llena de inolvidables historias de aparecidos, cabalistas, ventas encantadas o leyendas moriscas, traspasada de un aire picaresco deudor de la tradición española.
El Manuscrito encontrado en Zaragoza es una de las obras más legendarias y emblemáticas de la literatura fantástica. De estructura laberíntica, narrada al modo de los decamerones, la obra transcribe el manuscrito hallado por un oficial de las tropas napoleónicas en Zaragoza, y cuenta las peripecias y viajes del noble caballero Alfonso Van Worden, episodios vividos o referidos sobre «bandidos, almas en pena y adictos a la Cábala», en una visión pintoresca, fantástica y prerromántica de la España profunda del siglo XVIII, llena de inolvidables historias de aparecidos, cabalistas, ventas encantadas o leyendas moriscas, traspasada de un aire picaresco deudor de la tradición española.
Se trata de una colección de pequeñas historias situadas en España. Sus personajes abarcan casi todo el espectro de lo que el lector espera encontrar en la literatura gótica: Ladrones, inquisidores, cabalistas, alquimistas, gitanos, etc.
Pero no sólo el género gótico (quizás el más presente) son parte de esta maravillosa novela. Lo erótico tiene un espacio fundamental, aunque lejos del erotismo clásico y dulzón de las obras del período. La sátira y la filosofía aparecen como condimentos, más o menos lúcidos, dependiendo del relato en particular. Los intereses y aficiones de Jan Potocki a veces atentan contra la narrativa. Su obsesión por las sociedades secretas y los arcanos mágicos de oriente suelen desviar su atención de la estructura del cuento.
El carácter concéntrico del Manuscrito encontrado en Zaragozaencuentra paralelos con el Decámeron y Los cuentos de Canterbury; donde lashistorias se yuxtaponen y atraviesan. Como ejercicio literario resulta notable, debido a la complejidad de su ejecución; aunque su lectura, de hecho, no necesite mayores méritos que un poco de paciencia, y ganas de conocer los más antiguos exponentes de la literatura de terror.
Del mismo comenta Martí Sales:
«¡Qué obra! Casi ochocientas páginas de puro placer lector divididas en seis decamerones y treinta cuatro historias desopilantes, estremecedoras, sicalípticas, desconcertantes y didácticas a la vez; un tour de force de uno de los autores de vida y hechos más extravagantes de la historia de las letras europeas, el conde polonés Jan Potocki (1761-1815), viajero empedernido, militar, escritor, intelectual y, finalmente, suicida (se dio muerte con una bala de plata que él mismo pulió durante los últimos meses de su vida); un libro en dos versiones, una más deslavazada y subida de tono, la de 1804, y otra más trabajada, estructurada, completa, la que nos ocupa, la de 1810; una obra maestra de la literatura universal: El Manuscrito encontrado en Zaragoza.
Alfonso van Worden, oficial de la guardia valona, se dirige a Madrid para ponerse al servio del rey de España y en el camino a la capital, cruzando Sierra Morena, su periplo se atrabancará y agrandará en sesenta y un días que resultarán, para el joven militar, la lección de una vida. En este lapso de tiempo le pasarán y contarán todas las aventuras habidas y por haber, retos a la imaginación y viajes a los límites de lo posible, de mano de cabalistas, demonios en posadas encantadas, geómetras, gitanas bellísimas, jeques amos de maravillosos reinos subterráneos, muertos vivientes, poseídos y ermitaños. El género fantástico en todo su esplendor explorando los clarobscuros de la Ilustración. Porque en El Manuscrito encontrado en Zaragoza todo se pone en duda: la ética (cuando uno tropieza con la belleza de la carne, hasta las más altas torres caen), la religión (conoceremos judíos, musulmanes y cristianos y ninguno logrará hacer prevalecer su doctrina por encima de la de los demás), sus convicciones (en el caso de Alfonso, el pilar de su vida, que es un pundonor pasado de vueltas, se verá fuertemente cuestionado un montón de veces), su percepción de la realidad (¿existen fuerzas sobrenaturales?) y la posibilitad de conocer o aprehender la realidad (¿sabré con certeza algún día que es lo que sucede en el mundo?).
¿Todo se le pondrá en duda para formarle o para despistarle, aniquilarle? Eso sólo lo sabremos al final de este extraordinario libro que no se puede dejar de leer ni un solo instante, que es una recopilación de cuentos y leyendas y aventuras sólo comparable a las mil y una noches o a sagas hindúes como el Mahabharata. Un libro sapiencial con todo lo bueno de aprender con la boca abierta, es decir, como los niños pequeños que, sin saberlo, sin esfuerzo y con muchísima diversión, de todo sacan jugo y formación.»
Pueden leer o descargar el Manuscrito hallado en Zaragoza, de Jan Potoki, aquí:
Un libro con leyenda según Antón Castro:
«La historia del Manuscrito es como un cuento fantástico: en 1804-1805 se intentó publicar una versión con trece jornadas en San Petersburgo y en 1809 se publicó una versión alemana en Leipzig, y las dos han desaparecido. En 1813, se editó una versión fragmentada en francés. Y en 1847, tras un arduo trabajo de Edmond Chojecki, apareció en polaco el libro con su título más definitivo: El manuscrito encontrado en Zaragoza. Habría más ediciones, plagios, resúmenes y aventuras sueltas, y el libro se convertiría en un auténtico mito. Diego Moldes anota: «Se cuenta que en 1917, tras la Revolución de octubre, salió de San Petersburgo una pequeña biblioteca que, a lomos de una mula, cruzó Rusia, rumbo al puerto de Odesa; desde allí, los sacos con libros embarcaron a Marsella y de ahí a la capital gala, para acabar cruzando el Atlántico y terminar en una casa perdida en medio de la Pampa argentina». Eso es lo que ha contado el librero y anticuario Serge Plantureux, que sería otro de los grandes divulgadores del libro que en España conoció distintas ediciones a partir de 1968 hasta la de ahora; Mauro Armiño publicó una versión muy completa en Valdemar (2002) de mil páginas.»
«La vinculación con Zaragoza es más bien episódica. Solo aparece al principio, en el prólogo. Aquí, concretamente el 20 de febrero de 1809, un joven soldado francés valón encuentra un manuscrito repleto de historias, protagonizadas por el oficial Alfonso van Worden y por un montón de personajes fascinantes: princesas, magos, brujas, gitanos, bandidos, judíos errantes, etc., que se unen en esta, según Roger Caillois, «obra maestra de la literatura fantástica de todos los tiempos».»
La Editorial Acantilado ha publicado por primera vez en español la obra «Manuscrito encontrado en Zaragoza» de Jan Potocki, en su versión de 1810, una reescritura de la novela a la que el conde polaco dedicó los últimos 20 años de su vida.
Según ha explicado la editorial, en 2002, Dominique Triaire y François Rosset, dos investigadores de las Universidades de Montpellier y Lausana, respectivamente, lanzados sobre la pista de Potocki y su magna obra, descubrieron seis manuscritos mal catalogados en los archivos de Poznan (Polonia).
El estudio minucioso de estos documentos -fechas de fabricación del papel inscritas en las filigranas, grafías de los copistas, forma y lógica de las correcciones autógrafas- les permitió establecer que no existía una sola versión, sino dos versiones de «Manuscrito encontrado en Zaragoza».
La primera, de 1804, que es la que hasta este momento se ha utilizado en todas las ediciones aparecidas y que fue base de todas las traducciones en lengua española hasta hoy, y otra de 1810, que Acantilado presenta ahora al lector por primera vez en español y que representa la versión más terminada y completa de esta obra cumbre de la literatura fantástica europea.
A Luis Buñuel siempre le habían interesado los relatos de viajeros por España de los siglos XVIII y XIX y el concepto del relato dentro del relato o de cajas chinas. El libro de Potocki compendia ambas cosas, pero además, si pensamos en la simbólica y pictorialista película de Has, «es fácil adivinar la simpatía del cineasta aragonés por el componente surreal de algunas secuencias, el entramado onírico y la voluntad escapista, la descripción de la cultura española por medio del itinerario, viaje físico y metafísico, y, sobre todo la estructura laberíntica», dice Diego Moldes (Pontevedra, 1977) en su apasionante libro El manuscrito encontrado en Zaragoza. La novela de Jan Potocki adaptada al cine por Wojciech Jerzy Has (Calamar Ediciones), que coincide en las librerías con una nueva edición de la novela en Acantilado. Jean Potocki, conde polaco y viajero cosmopolita por Marruecos y España entre otros lugares, habría iniciado la redacción de su obra en 1797; al parecer iba conformando el libro con relatos que le contaba a su segunda esposa, convaleciente en la cama. En 1804, cuando era consejero del zar Alejandro I, habría culminado una primera redacción. Parece que a lo largo de seis años ensanchó y mejoró el texto, y concluyó una edición más ambiciosa en 1810, hallada definitivamente en 2002 por dos investigadores, que es la que publica la editorial Acantilado.
Luis Buñuel sintió una fascinación especial por El manuscrito encontrado en Zaragoza del conde Jan Potocki (1761-1815), una extraña y compleja novela compuesta por seis decamerones que comprenden 66 jornadas, protagonizadas por el oficial valón Alfonso van Warden en las tierras de Sierra Morena y de Toledo. Buñuel quiso adquirir los derechos del libro, que había editado en Francia Roger Caillois en 1958. En 1965, vio en París la adaptación del polaco de Cracovia, Woijiech Has. Diría en sus memorias: «Me gusta El manuscrito encontrado en Zaragoza, novela de Potocki y película de Has, película que he visto tres veces, lo cual es excepcional y que encargué a Alatriste comprar para México a cambio de Simón del desierto». Esa película también impresionó a Martin Scorsese y a Francis Ford Coppola, entre otros.
«Manuscrito encontrado en Zaragoza» es el compendio de la vida y trabajos de Jan Potocki, literato, erudito, místico, viajero, científico y político nacido en 1761 en Polonia y uno de los personajes más fascinantes de la Europa de la Ilustración.
Si en su ritmo majestuoso y la riqueza de su realismo inaugura la gran novela del siglo XIX, su audacia formal y su experimentación con distintos registros y niveles de ficción anticipa la literatura del siglo XX, ha señalado el editor, Jaume Vallcorba.
Esta nueva versión de la novela, completada con una presentación de Marc Fumaroli y los epílogos de Dominique Triaire y François Rosset sobre el texto y la vida de Potocki, aporta una nueva visión a uno de los grandes clásicos de la literatura universal.
En la novela, Alfonso van Worden, oficial de la guardia Valona, viaja a Madrid para ponerse al servicio del Rey de España, y en una de las etapas de su periplo debe atravesar Sierra Morena.
Allí le espera un misterio laberíntico que deberá desentrañar y que le embarcará en una aventura sin precedentes en la que encontrará alquimistas, astrólogos y cabalistas, poseídos, demonios, bandidos, gitanos y anacoretas.
La crítica de la película de la mano de Gentoo:» Un texto mágico descubierto,supuestamente, durante las Guerras Napoleónicas… el Capitán Alphonse van Worden se adentra en un relato diabólico que lo transporta a una España pintoresca poblada de fantasmas, demonios seductores y sacerdotes místicos. A través de siglos y naciones, el manuscrito presenta historias divertidas, horripilantes, alegres y grotescas; un fascinante viaje en el tiempo para aquel viajero que ose adentrarse en sus secretos…… El joven Alfonso van Worden capitán de la guardia valona del Rey de España, viaja a Madrid a través de la salvaje cadena de montañas de Sierra Morena. Al pasar la noche en una posada abandonada, traba conocimiento con dos princesas de Mauritania, que le revelan un secreto: siendo heredero de una poderosa familia, está destinado a cumplir altos destinos, pero que tiene que someterse previamente a una serie de pruebas para hacer patente su valor, rectitud y dignidad. A pesar de su voluntad, van Worden se transforma en un personaje central de toda una serie de extrañas aventuras. Lo persiguen ahorcados, dementes, la Inquisición, los demonios… Al final llega al castillo de un misterioso cabalista, donde pasa varios días, oyendo relatos sobre extraños sucesos de este mundo. Cada narración contiene muchos significados. El cabalista místico libra una especie de lucha por el alma de van Worden con el racionalista, el sabio matemático Velázquez.»
Knut comenta en leelibros.com también sobre la película : «Contando con sus múltiples defectos, algunos de los cuales bastante lastrante, son tantas sus virtudes y especialmente tan única que resulta imposible el no cogerle cariño. Porque aunque el ritmo en ocasiones decae o se ve comido por el caos, a pesar del exceso de metraje, sólo por la idea de adaptar a su homónima literaria y proceder de un país como Polónia, implica en si mismo todo un milagro de esos que se dan cada milenio.»
«La cinta tiene un exotismo vitalista maravilloso, con una sensualidad libertaria que personalmente me caló de manera vergonzosa. No es sólo que salgan mujeres lujuriosamente desprendidas de ropa, es el morbo de la misma historia, muy del estilo de Las mil y una noche en su formalidad y eroticidad. Ya de por sí la excelente novela en la que se inspira es un obligado en el fantástico, fresca como pocas, y es algo que no se pierde en absoluto en la adaptación.»
«Multitud de personajes aparecen y desaparecen, se insertan historias del pasado en el presente, los demonios, muertos, el sexo, el deseo venéreo hacia las madrastas y las hermanas jóvenes de esta. Lascivia y muerte, todo con un humor vitalista de esos que invitan a celebrar el mismo hecho de celebrar. Algunos de los personajes son estupendos otros quizás no tanto, pero con todo no hay Zaragoza y por ende España más surrealista que esta, tan exótica y fantástica.»
«No todo es Tolkien, o al menos dentro de la pequeñísima proporción que no lo es hay obras, como esta (en ambos formatos) que recuerdan que no serlo en ocasiones da alegrias trascendentales, que embellecen el alma y los ojos.»
Las sociedades ,tambien las democráticas,tienen muchas carencias .Una de ellas es el respeto a la diferencia,y en general,a las minorías.El que no piensa como yo es sospechoso ,poco de fiar.En muchos casos se le debe marginar ,en el trabajo,en la asociación,club,agrupación etc.Es evidente que en la vida social ,por mucho que se respeten a las minorías las decisiones se hacen desde y para ,sobre todo,las mayorías.Especialemente ,en el actual contexto político ,para las mayorías silenciosas,pasivas,que no votan y que parecen estar al margen de todo.Se escoge ,se elige de muchas maneras ,cuando no decimos o hacemos nada también estamos diciendo algo.Decimos: “lo que decidan me da igual”,o bien: “lo que decidan también me vale”.También puede querer decir,y esa es la versión más fatalista,que como te va a fastidiar o a perjuidicar igual,como acabarás pagando los platos rotos o el pato,que por cierto no te comiste tú,te da lo mismo.
En la vida cotidiana la capacidad de acercarse a la realidad del otro,es tan importante que marca la diferencia entre los que poseen inteligencia emocional y los que parecen carecer de ella.
En el mundo de la pareja,la amistad,el trabajo o estudio y ,por supuesto en la política,ponernos en el lugar de los demás ,sentir sus problemas ,es fundamental para relacionarnos correctamente con los demás.
Ciertas corrientes de pensamiento psicológico postulan que la mente humana tiene en común sensaciones y sentimientos. La única diferencia entre dos personas es el momento en el que se muestran dichos sentimientos, provocando emociones que motivan a actuar. Que una persona no sienta igual que otra en un momento dado, es por razones educativas, predisposición genética y condicionantes hormonales, que inducirán a encauzar los estímulos de una forma u otra. Por eso, infieren que la empatía es posible en un individuo capaz de razonar acerca de sí mismo, evaluar sus sentimientos y razonar acerca de otras personas de forma que no tienda a justificar sus propios deseos. El deseo sería la unidad de degeneración del pensamiento objetivo, y el grado de exactitud estaría desvirtuado, en mayor o menor medida, dependiendo la profundidad del conocimiento de uno mismo, o lo que es lo mismo, de su inteligencia emocional.(Hoffman (1977) estudió el fenómeno y concluyó que la empatía es más relevante en las mujeres que en los varones. Para Díaz-Aguado esto tiene que ver con la educación diferencial de niños y niñas.La habilidad de experimentar emociones ajenas como si fuesen propias es la base de la empatía. Averiguar qué emociones alberga nuestro interlocutor, cuán fuertes son dichas emociones y qué las ha desencadenado puede parecer una labor de adivino, pero hay muchas personas que en un grado u otro pueden acometer esta tarea. Para los psicólogos resulta casi una facultad sine qua non. No se trata sólo de ser simpáticos. Invitamos a alguien a tomar el té, escuchamos atentamente sus exposiciones y nos mostramos congruentes con su estado de ánimo, aliviando pesares o reforzando euforias… Eso es sólo simpatía.
Jordi Montaner lo explica así: “La empatía es una destreza básica de la comunicación interpersonal, ella permite un entendimiento sólido entre dos personas, en consecuencia, la empatía es fundamental para comprender en profundidad el mensaje del otro y así establecer un dialogo. Esta habilidad de inferir los pensamientos y sentimientos de otros, genera sentimientos de simpatía, comprensión y ternura.Uno de los elementos clave que forma la inteligencia emocional, es la empatía, la cual pertenece al dominio interpersonal. La empatía es el rasgo característico de las relaciones interpersonales exitosas.Pero, ¿a qué nos referimos cuando hablamos de empatía? La empatía no es otra cosa que “la habilidad para estar conscientes de, reconocer, comprender y apreciar los sentimientos de los demás”. En otras palabras, el ser empáticos es el ser capaces de “leer” emocionalmente a las personas.”
La web Galeon.com en su espacio “Aprender a aprender ” propone el siguiente ejercicio de Empatía : Ponte en el lugar de otro.
Piensa en alguien a quien te gustaría entender mejor y elige alguna situación concreta en la que te hubiera gustado poder comunicarte con esa persona de manera más eficaz.Recuerda esa situación y repasa las ideas que se te pasaron por la cabeza, tus sentimientos en aquel momento, las cosas que dijiste y que te dijeron, tus impresiones, etc.Ahora vuelve a recordar la misma situación, pero esta vez desde el punto de vista de la otra persona. Imagínate que eres esa persona Imagínate que te estás viendo a ti mismo desde los ojos de esa otra personal Entra en la piel de esa persona y imagínate sus sentimientos acerca de esa situación y acerca de ti mismo. ¿Qué pensaba esa persona¿ ¿Cuál era su punto de vista acerca de la situación? ¿Qué hubieras tenido que decirle y de que manera para mejorar la comunicación entre vosotros? Toma nota de tus impresiones.
Empatía: capacidad del individuo para ponerse en el lugar de otro, para llegar a la compenetración emotiva con otros seres, modos de vida o períodos históricos.
La empatía se convirtió en los sistemas de Fr. Th. Vischer, Th. Lipps, J. Volket, K. Gross y algunos otros pioneros de la psicología científica en Alemania en un concepto psicológico-estético central. La empatía se ha de entender como un proceso que es parte de la comprensión y que se orienta fundamentalmente a las manifestaciones expresivas.
Rose Rosetree desde 1971 enseña técnicas destinadas a desarrollar la percepción sutil .Según su editor:
“Despertar los dones empáticos significa ser iniciado en unas técnicas con las que sin esfuerzo podrás acceder a la realidad más profunda de la otra persona. Al contrario de lo que ocurre en muchos ámbitos de la vida, con la empatía, la ausencia de esfuerzo es la prueba de que has logrado algo. Por ello, las técnicas descritas en este libro han sido concebidas para necesitar el mínimo esfuerzo posible. De este modo, la empatía puede ser una forma muy agradable de servir a los demás.”
Patricia Merayo López-Huerta plantea que:“La presente etapa histórica pone al ser humano en la tesitura de aferrarse a un nuevo modo de vida basado en unos nuevos valores, más allá de los conceptos de productividad e individualismo que actualmente imperan en nuestras sociedades y que regulan nuestra percepción de la realidad y de los individuos que la componen. La empatía es esa capacidad innata del ser humano que le permitirá ascender un nuevo escalón evolutivo para la creación de una nueva sociedad global más humana, y en definitiva mejor.” Amalio A.Rey lo expresa así en su Blog: “ El otro día escuché a la Vicepresidenta De la Vega, decir: “yo sé lo que es ir a un mercado y ver que aumentan los precios (…), yo sé lo que es perder un empleo“. He pensado inmediatamente que es una afirmación atrevida, y puedo creerle a una persona como De la Vega por la que siento un gran respeto, pero…”
“La mayoría de ellos vive en la estratosfera, en “su mundo”, no tiene ni idea de lo que siente un ciudadano común, mientras que sus prioridades son escalar y figurar en las fotos de las noticias que dan votos.”“Si son altos cargos tampoco viven los problemas reales de la gente, pues llegan a todas partes con los privilegios que concede la etiqueta de “autoridades” y disponen de una retahíla de ayudantes que se encargan de quitarle problemas comunes de encima, y así alejarlos aún más de la realidad.http://www.dailymotion.com/video/x1vhmi_en-sus-zapatos-trailer-p2mteam_fun
La película “En sus zapatos” “In her shoes” del 2005 es una historia que pasa alternativamente de la risa a la angustia sobre dos hermanas con nada en común salvo que ambas gastan el mismo número de zapato. Maggie y Rose Feller son muy amigas y polos opuestos cuando se trata de valores, objetivos en la vida y forma de ser. Maggie es una chica guapa, alegre y desenfadada que a duras penas ha terminado el instituto, a la que le duran los trabajos un santiamén y que cree que su mayor activo es la atracción que despierta entre el sexo masculino. Rose es una abogada formada en Princeton que trabaja en una firma de primer orden de Filadelfia. Su piso del periodo anterior a la guerra está hermosamente decorado y es su refugio frente al mundo exterior. La única alegría de Rose en la vida son los zapatos (porque siempre sientan bien), pero desgraciadamente tiene pocas oportunidades de lucirlos y sacarlos del armario. Tras una catastrófica riña, las dos hermanas tienen por delante un largo y tortuoso camino hasta llegar a quererse de nuevo, ayudadas por el descubrimiento de una abuela materna que pensaban estaba muerta. A través de su nueva relación con su abuela, Maggie y Rose aprenden a hacer las paces consigo mismas y entre ellas.
En el Blog un relato de gran fuerza ,dramatismo y , que a pesar de los años transcurridos,sigue por desgracia de actualidad.Se trata de la novela «Las uvas de la ira» del escritor estadounidense John Steinbeck (Salinas, 1902 – Nueva York, 1968) obtuvo el Pulitzer y el Premio Nobel,varias de sus novelas fueron llevadas al cine con éxito arrollador.Se encuadra su obra en el llamado naturalismo o realismo social americano.
En plena era de pobreza, en 1930, un joven llamado Tom Joad, un buen chico de provincias, de nobles sentimientos, sale de la cárcel tras haber cumplido condena por un delito por cuestiones de honor. A su regreso a casa, ve como aquella tierra en la que creció y se crió, sustento de toda su familia y de gran parte de su Oklahoma natal, está devastada, seca bajo una gran capa de arena y polvo que todo lo cubre. Su casa, su vecindario, un pueblo fantasma lleno de recuerdos. Tom, busca a su familia para obtener explicaciones: la sequía les ha arruinado las cosechas y sumido en la miseria.
Tom y su familia emprenderán entonces un viaje hacía el sueño americano, hacia la fértil california, donde el sol brilla y las penas son menores entre campos de naranjos y otros frutales. Por el camino se encontrarán con otras familias con las mismas ambiciones, los mismos intereses, y la misma desesperación; puesta a prueba de la bajeza moral de cada uno de los miembros, de los cuales, algunos seguirán luchando, otros desertarán, huirán, y otros perecerán en el camino y en el intento.
Una polémica historia sobre emigración en el seno de la gran nación de naciones.Historia que hoy por hoy sigue resultando realmente actual y sobrecogedora. Un relato en el que se mezcla la política pura, de sindicalismo, derechos humanos, de racismo y xenofobia, y cuestiones de honor y sacrificio, tanto personal como familiar.El tema representado en esta novela es actual en lo concerniente a inmigración y su explotación laboral, siendo una novela muy viva a pesar del tiempo transcurrido desde que John Steinbeck la escribiese. El autor, vivió durante dos años una vida de privaciones semejantes a las que describe en la obra, siendo un humilde campesino. Con esta experiencia y con una sincera conciencia social, el escritor reproduce este testimonio en medio de los peores tiempos de EEUU en toda su historia, la Gran Depresión.
Entre las versiones cínematográficas que han surgido de esta obra, la más conocida es la dirigida por John Ford y protagonizada por Henry Fonda.
Novela naturalista, de corte histórico y, en muchos momentos, con resonancias bíblicas. Está organizada en extensas secuencias narrativas y otras de corte más breve y descriptivo […], pequeñas crónicas que van enlazando progresivamente la trama de ficción. Cuenta el drama de una familia que lucha por sobrevivir a la miseria y a la pérdida de su pasado causadas por culpa de las terribles circunstancias económicas de la Gran Depresión norteamericana iniciada tras 1929. Ante la ausencia de perspectivas, amenazada su identidad, perseguidos por la codicia de los grandes propietarios y de los bancos, humillados por otros muchos compatriotas que ven peligrar su despreocupación y tranquilidad ante la llegada de miles de desposeídos, los protagonistas -los Joad- simbolizan los valores de la dignidad familiar y de la solidaridad que el escritor californiano Steinbeck, un hombre siempre comprometido y Premio Nobel de Literatura en 1962, plasmó en buena parte de su producción literaria.
El Tom Joad de Las uvas de la ira (por siempre asociado al rostro atormentado de Henry Fonda en la película de John Ford de 1940) pudo ser cualquiera (o una mezcla de varios) de aquellos miles de inmigrantes de Oklahoma Kansas o Tejas, conocidos como okies, que perdieron sus granjas por la presión combinada de la Gran Depresión, las catastróficas tormentas de polvo que destruyeron las tierras de cultivo y la voracidad de los bancos. Steinbeck los conoció mientras se documentaba para sus reportajes con la ayuda de Tom Collins, director de un campamento de acogida (inspirador claro del Jim Rawley de Las uvas…)en el que se trataba a estos «vagabundos de la cosecha» como a seres humanos. Más allá de sus límites, los okies eran considerados como sucias e ignorantes bestias de carga de las que no se podía prescindir pero a las que se despreciaba y maltrataba impunemente.
California, el paraíso de fruta y miel, la tierra prometida para aquellos desheredados había sido ya el destino de miles de inmigrantes chinos, filipinos y mexicanos a los que se explotó sin piedad y a los se terminó expulsando cuando empezaron a dar muestras de rebelarse o, si no tanto, de querer organizarse para defender sus derechos.
Era fácil mirar para otro lado cuando las víctimas no eran norteamericanos de pura cepa. Pero ser blancos y ciudadanos de Estados Unidos no salvó a los okies, que también tuvieron que soportar salarios de miseria, condiciones infrahumanas de vida, odio y marginación. Eso fue lo que Steinbeck puso por escrito, en reportaje y novela, y lo que Woody Guthrie cantó, después de subirse con su guitarra al techo de un tren rumbo a California.Rodeada de polémica desde su estreno –llegó incluso a estar prohibida en California- narra la odisea vital de la familia Joad, granjeros de Oklahoma que son echados de sus tierras por el progreso y la ambición del hombre y que junto con miles de familias se ven obligados a emigrar hacia el Oeste en busca de una nueva forma de ganarse la vida. Ambientada en la mayor crisis norteamericana de su historia en plena década de los años 30, Steinbeck narra con precisión los sentimientos de una familia amplia americana que se ven despojados de todo lo que tenían y que tienen que renunciar a aquello que dan por sentado en busca de un nuevo comienzo. Pero el viaje es largo, el dinero escasea y los habitantes de los estados que reciben a los inmigrantes no están dispuestos a hacerlo con los brazos abiertos: condiciones denigrantes donde los trabajadores son explotados debido a su gran necesidad, mientras las familias viven en campamentos hacinados –los famosos hooverville, que se extendieron por toda Norteamérica tras el crack del 29-; amenazas e intimidaciones como moneda de cambio, ya que todo inicio de sindicalización o de organización es cortada de raíz con extraña violencia al grito de rojos. Steinbeck alterna los capítulos centrados en la familia Joad –los de mayor extensión- con otros donde expande su visión a la situación general de la sociedad americana en esos momentos en muchas de sus diferentes capas: los aprovechados, los solidarios, los predicadores, los simples o los intelectuales; todos acaban en las páginas de la inmensa novela del escritor, que vivió y conoció esa época.
El autor y su obra:
John Steinbeck (Salinas, 1902 – Nueva York, 1968). Narrador y dramaturgo estadounidense, famoso por sus novelas que lo ubican en la primera línea de la corriente naturalista o del realismo social americano, junto a nombres como E. Caldwell y otros. Obtuvo el premio Nobel en 1962.Las uvas de la ira surgió de los artículos periodísticos que Steinbeck había escrito sobre las nuevas oleadas de trabajadores que llegaban a California, y desató polémicas encendidas en el plano político y en la crítica, ya que fue acusado de socialista y perturbador. El argumento de esta novela narra la migración de familias de Texas y Oklahoma que huían de la sequía y la miseria, en busca de la californiana Tierra Prometida.
La historia de la famosa carretera 66 y su relación con la Gran Depresión:
La ruta 66, también conocida como U.S. Route 66, Route 66 (Ruta 66), The Main Street of America (la calle principal de América), The Mother Road (La carretera madre) y la Will Rogers Highway (Carretera de Will Rogers), es una autopista que se empezó a construir en 1926 para unir las aisladas tierras del oeste de Estados Unidos con el Este. No fue hasta 1938 cuando se terminó la ruta 66. Antes de eso atravesar el país de costa a costa era tremendamente complicado. Antes de 1867 y la construcción del ferrocarril era más rápido y sencillo navegar hasta el extremo sur de América del sur y volver.
La ruta 66 iniciaba su trayecto en Chicago (Lago Michigan), atravesaba Illinois, Missouri y Kansas hasta llegar a Oklahoma, donde giraba para atravesar Texas, Nuevo México y Arizona para terminar en California. El destino final se encontraba en las playas de Santa Mónica, en los Ángeles. En total 3.665 kilómetros de longitud.
Antes del siglo 20, la Costa Oeste de los Estados Unidos estaba tremendamente aislada de la Costa Este y del Medio Oeste por grandes barreras de montañas, desiertos y terrenos desolados, lo que implicaba navegar rutas sin señalizaciones, sin mantenimiento alguno, y a veces, hasta simples caminos de tierra.
Unos empresarios naturales de Oklahoma e Illinois pensaron que Estados Unidos necesitaban una autopista intercontinental que conectara ambas costas. Naturalmente, pensaron que era conveniente que esta ruta pasara por los pueblos de los que ellos eran originarios. Después de convencer de la importancia de esta ruta a sus gobernantes, empezó su construcción, que duró 12 años y acabó en 1938.
Ruta 66 empezaba en el Lago Michigan, Chicago, y acababa 4000 km después en las playas de Santa Mónica, Los Ángeles. La gran ventaja de esta carretera era que permitía atravesar el país en cualquier época del año, debido a su trazado.
Los residentes de todas las áreas por donde pasaba la Ruta 66, pronto descubrieron que este incesante flujo de motoristas necesitaría gasolina, comida, lugares donde hospedarse y entretenimientos a lo largo del camino. Así se levantaron miles de estaciones de servicio, restaurantes, cafés, bares, mercados, y atracciones turísticas. La Ruta 66 obtuvo la fama de ser “el motel del conductor”.
Durante los años 30, cuando la gran depresión económica atrapó al país, una sequía cayó sobre las regiones de campo del medio oeste. La Ruta 66 se convirtió en la ruta hacia la tierra prometida, California, donde siempre había sol, cosechas abundantes, y trabajos que se pagaban bien.
Desafortunadamente la ruta madre cayó víctima del progreso. Las súper autopistas y rutas interestatales eran más grandes, más derechas y más rápidas y desde los años 50 en adelante empezaron a reemplazar a la vieja Ruta 66. En Octubre de 1984, la nueva autopista interestatal 40 reemplazó al último tramo restante del la ruta 66, cerca de Williams Arizona. Hoy sólo quedan vestigios de la ruta madre.
Aún así, hay ciertos tramos perfectamente usables, que atraen gran cantidad de curiosos, aventureros y turistas.Se recomienda,para hacer este recorrido con estilo, que alquile un Corvette o una Harley Davidson, y saboreará como nadie el sueño americano.
“Al principio las familias levantaban y desmantelaban los mundos con timidez, pero paulatinamente hicieron suya la técnica de construir mundos. Entonces surgieron líderes, se hicieron leyes y aparecieron los códigos. Y conforme los mundos se movían hacia el oeste, eran más completos y estaban mejor equipados, porque los constructores tenían más experiencia… Las familias aprendieron los derechos que debían respetar… Y las familias aprendieron, aunque nadie se los dijo, que hay derechos monstruosos que hay que destruir… Estos derechos eran aplastados porque los pequeños mundos no podían existir ni una noche con semejantes derechos vigentes. Y conforme los mundos avanzaban en dirección al oeste, las normas se convirtieron en leyes, aunque nadie se lo dijo a las familias… Y con las leyes venían los castigos, y sólo había dos: una lucha rápida o el ostracismo; y éste era aún peor. Porque si uno infringía las leyes, su nombre y su rostro iban con él y ya no había sitio para él en ningún mundo, cualquiera que fuese el lugar en el que se crease. En los mundos, la conducta social se volvió rígida y fija… Las familias se movían hacia el oeste y la técnica de levantar mundos mejoró para que la gente se sintiera segura en ellos; y el patrón era tan fijo que una familia que se atuviera a las normas sabía que podía sentirse segura. Se desarrolló en los mundos un gobierno, con líderes respetados por todos… Un hombre sabio se dio cuenta de que la sabiduría era necesaria en todos los campamentos, la estupidez de un tonto era la misma en todos los mundos…. Y una nueva unidad se había formado”…
“La primavera es hermosa en California. Valles en los que las frutas maduras son fragrantes aguas rosas y blancas de un mar poco profundo. Luego los primeros zarcillos de las uvas hinchándose desde las viejas vides nudosas, caen como una cascada y cubren los troncos. Las verdes colinas llenas son redondeadas y suaves como senos. Y a ras de suelo las tierras de verduras y hortalizas dan hileras de millas de longitud con lechugas verde claro y pequeñas coliflores esbeltas, plantas de alcachofa verde-grisáceas, que no parecen de esta tierra… Y constantemente la fruta se hincha y las flores surgen en largos racimos en los viñedos”…
“Hubo un tiempo en que California perteneció a México y su tierra a los mexicanos; y una horda de americanos harapientos lo invadieron. Y su hambre de tierra era tanta que se la apropiaron: robaron la tierra de Sutter, la de Guerrero, se quedaron con las concesiones y las dividieron y rugieron y se pelearon por ellas aquellos hambrientos frenéticos; y protegieron con rifles la tierra que habían robado. Levantaron casas y graneros, araron la tierra y sembraron cosechas. Estos actos significaban posesión y posesión equivalía a propiedad: los mexicanos estaban débiles y hartos. No pudieron resistir, porque no tenían en el mundo ningún deseo tan salvaje como el que los americanos tenían de tierra”…
“Los hombres se acuchillaban, hombres de rostros afilados, delgados y endurecidos por la continua resistencia contra el hambre, de ojos torvos y mandíbulas duras… Y la tierra fértil se extendía alrededor de ellos… Las manos buscaron en los bolsillos y sacaron monedas pequeñas… Nuestra gente es buena; nuestra gente es compasiva. Ruego a Dios que algún día las gentes bondadosas no sean todas pobres…. Y las asociaciones de propietarios supieron que algún día las oraciones se acabarían. Y eso sería el fin”…
“ Y… en las palmas de las personas las uvas de la ira se están llenando y toman peso, listas para la vendimia”…
En el Blog,un post dedicado otra vez a una persona que vivió «varias vidas».Elegido,tras un complot familiar,como Emperador del Imperio del Medio .Fue brevemente el último Emperador de China.De la étnia manchú como sus antepasados de la dinastía Quing.Vivió los periodos de regencia y después de ser depuesto ,unos años más,infancia y juventud dentro de la Ciudad Prohibida,que a su vez se encontraba dentro de la Ciudad Manchú ,en Pekín.Fue durante todo ese tiempo prisionero de la corte,los eunucos y demás parientes,servidores y funcionarios imperiales.Vivió en una verdadera «jaula de oro»,posteriormente conoce la realidad del exilio en Tientsin.Fue convencido por japoneses y el «partido monárquico manchú»,para retornar al poder en la provincia del nordeste (Manchuria) ,conquistada militarmente por Japón.Sirvió leal e ingenuamente como soberano títere,de un «estado fantasma».Pasó por periodos de detención,arrestos, encarcelamiento,campo de concentración y de reeducación.Pasó al final a vivir plácidamente el resto de su vida,él que había conocido una sociedad profundamente jerarquizada y estamental,en la igualitaria República Popular de China de Mao. Las fuentes documentales más atractivas son su propia autobiografía «From Emperor to Citizen»,»Yo fui el último emperador de China»,o «Pu-Yi el último Emperador» ,y el libro de su instructor o maestro occidental ,el profesor inglés Johnston : «Twilight in the Forbidden City»,»Crepúsculo en la Ciudad Prohibida» .La película de Bernardo Bertolucci «Last Emperor», «El último emperador»,rodada en 1987 en localizaciones reales,constituyó un hito ,y dió a esta historia,hasta entonces poco conocida, fama mundial.
Puyi o Pu-yi o Xuantong, Mo Ti o Hsuan Teh) Último emperador de China, perteneciente a la dinastía Manchú (Pekín, 1906-1967),cuando China era dominada por las potencias extranjeras,y el ascenso del Imperio del Japón era imparable.Era sobrino del emperador Kuang-su, al que sucedió en el Trono en 1908, cuando Pu-yi contaba sólo dos años; había sido designado sucesor por la emperatriz viuda Ts’eu-hi (o Cixi) precisamente por su corta edad, que le permitiría a ella ejercer el poder real. Sin embargo, Ts’eu-hi murió en aquel mismo año y pasó a ejercer la regencia el padre de Pu-yi, Tch’uen.
Éste, vinculado al partido tradicionalista, detuvo el proceso de reformas que habían iniciado sus antecesores. El inmovilismo imperial acrecentó el descontento y permitió el triunfo de la revolución nacionalista encabezada por Sun Yat-sen, que proclamó la República en 1911 y forzó la abdicación de Pu-yi en 1912. No obstante, se le permitió seguir viviendo en Pekín, en la residencia tradicional de la corte imperial, la Ciudad Prohibida.Los manchúes esperaban restaurar a Pu Yi en su trono, y deseaban que tuviera trato con las potencias occidentales que pudieran ayudarlos a lograr su objetivo.
En 1917, durante el periodo de anarquía y de luchas civiles entre los señores de la guerra, un partido monárquico restableció a Pu-yi en el Trono por el breve espacio de doce días. En 1924 tuvo que escapar de los señores de la guerra y se refugió en la colonia japonesa de Tientsín. Cuando los japoneses invadieron la región china de Manchuria en 1931, crearon sobre aquel territorio el Estado títere del Manchukúo, a la cabeza del cual pusieron a Pu-yi como jefe de Estado (1932) y más tarde emperador (1934). Su poder era ilusorio, si bien pretendió en algún momento obtener de los japoneses una cierta autonomía política.
Tras la invasión soviética de Manchuria en agosto de 1945. Pu-Yi voló a la URSS ,y fue mantenido bajo arresto domiciliario hasta el final de la guerra.Testificó en algunos juicios contra los japoneses.A su regreso a China en 1950,fue apresado durante nueve años.Fue reeducado en las doctrinas de la República Popular de Mao y se casó,algo insólito hasta entonces con una mujer de etnia Han ,china ,no manchú.Testificó en algunos juicios contra los japoneses,miembro del partido comunista en 1962.Su trabajo como jardinero de un jardín público (El Jardín Botánico) en Pekín le duraría hasta 1963 .Después trabajó como archivero de la Biblioteca Nacional de la misma capital hasta su muerte en 1967.
La coronación,en la magistral película de Bertolucci:
La enjundia y dificultad de “El último emperador” tuvo mucho que ver con que durante esta década apenas dedicara Bertolucci su tiempo a esta última película, al margen de alguna incursión en el documental político y colaboraciones dispersas.
Mark Peploe y él mismo afrontaron la escritura del guión de “El último emperador” tomando como punto de partida la autobiografía de Aisin Gioro Pu Yi, en quien se basa la película, titulada “De Emperador a ciudadano”, un texto denso, lleno de recuerdos en el que el último de los emperadores de China recuerda su breve reinado y por tanto residencia en la llamada “ciudad prohibida” hasta sus penalidades bajo la invasión japonesa y su silencioso final como campesino en la República Popular China.
Peploe y Bertolucci buscan el equilibrio entre lo personal, los avatares de Pu Yi, y el testimonio histórico, entre el intimismo y la monumentalidad épica que requería tan singular historia.
Un alto porcentaje del peso de “El último emperador” recae en los actores, sin olvidar la existencia de un guión redondo, una ambientación en la que no se escatimaron recursos de ningún tipo y una banda sonora de extrema singularidad, obra de Ryuichi Sakamoto.
Pu Yi es John Lone, un actor de Hong Kong relativamente conocido por su brillante participación en el “Manhattan Sur” de Michael Cimino y magníficamente arropado por Peter O’Toole y Joan Chen, una actriz nacida en Shanghai y rostro fácilmente reconocible a mediados de los 80 por sus repetidas apariciones en series de televisión.
Lo demás es espectacularidad, buenos diálogos, sentido crítico de la Historia, rigor…
Hay una versión de Crepúsculo en la Ciudad Prohibida:
En el Blog,una mirada a un relato que ha hecho soñar a varias generaciones.Es tema de una novela pero ,se convirtió en película,se ha reivindicado de muchas maneras,ha tenido muchas interpretaciones y sirve de nombre a multitud de lugares,fincas y hoteles. Parece que China también se lo ha apropiado…
Shangri-La es un lugar ficticio descrito en la novela de 1933 «Horizontes Perdidos» escrita por el británico James Hilton (1900-1954) . En el libro, «Shangri-La» es un valle místico y armónico, suavemente guiado desde una lamasería, encerrado en el extremo occidental de las montañas de Kunlun. Shangri-La se ha convertido en sinónimo de cualquier paraíso terrenal, pero sobre todo una utopía mítica del Himalaya – una tierra de felicidad permanente, aislada del mundo exterior. En la novela «Horizontes Perdidos», las personas que viven en Shangri-La son casi inmortales, que viven años más allá del período de vida normal y sólo muy lentamente, el envejecimiento en su apariencia. La palabra evoca también la imagen de exotismo de Oriente. En las antiguas escrituras tibetanas, la existencia de siete lugares se menciona como Nghe-Beyul Khimpalung. Uno de esos lugares se menciona que se encuentra en algún lugar de la región de Makalu-Barun.
Su novela inspiró a la sociedad de su tiempo y dio origen al mito: soñadores, aventureros y exploradores intentaron hallar ese paraíso perdido. La onda orientalista de Occidente se ha inspirado en él y el nombre «Shangri-La» bautiza no sólo a agrupaciones musicales o teosóficas sino numerosos lugares de descanso en Asia y aún en América. (De hecho, Shangri-La fue el primer nombre de la sede de descanso presidencial estadounidense en Camp David, ubicada entre colinas. Se lo puso su primer ilustre hospedado, el presidente Franklin Delano Roosevelt.)
Cuenta un viejo mito, muy bien llevado al cine por Frank Capra en su pelicula Horizontes perdidos, a su vez basada en la novela de James Hilton, quien se inspiró en las publicaciones del botánico Joseph F. Rock sobre el reino lamaísta de Muli y las costumbres de los Naxi de Lijiang, a cerca del paraiso de Sangrila.
Dice este viejo mito que existe, en un lugar indeterminado del Himalaya, un valle donde la gente vive en paz y armonía, felices y en eterna juventud. Un paraiso de abundancia y paz. En la pelicula de Frank Capra, por un accidente aereo llegan hasta alli cuatro occidentales que gozan de las tierras y los encantos del paraiso hasta que deciden abandonarlo, entonces recuperan la velocidad del tiempo exterior y, antes de perder de vista las montañas, envejecen y mueren.
El mito de Shangri-Lá viene de tiempo, porque nos podriamos extender hacia atras y hablar de mitos mas antiguos, como Shambhala, la fuente de la sabiduría eterna de los antiguos budistas, o la Kalapa hindú, donde se alojan los inmortales en el Himalaya.
Como esos espejismos que en el desierto siempre están unos pasos delante pero el viajero sediento nunca alcanza, Shangri-La es un mundo escondido al cual parece imposible acceder. La antigua creencia budista dice así: Para llegar, no es preciso contar con un mapa o guías avezados, sólo es necesario estar preparado íntimamente. Entonces, lo inefable aparecerá ante la vista en todo su esplendor. ¿Es Shangri-La el paraiso perdido donde habitan hombres perfectos, la Kalapa de los hindúes? ¿Es el valle oculto de Kun Lun donde, según los chinos, viven seres inmortales? ¿Es la Tierra de las Aguas Blancas, la Bielovodye rusa, aquella de los santos ermitaños de gran sabiduría? ¿O es Chang Shambhala, el lugar sagrado de los budistas donde se encuentra la fuente de la eterna sabiduría? Es todos y no es ninguno. Como los espejismos, está y no está. Sólo espera al peregrino de corazón límpido y espíritu abierto para ofrendarle sus misterios.
En su novela Horizontes Perdidos, el escritor inglés James Hilton construyó un mundo ideal, al que llamó Shangri-La (un nombre de su invención convertido al poco tiempo en sinónimo de lugar edónico). Estaba poblado por un grupo de elegidos provenientes de distintas partes del mundo y eran gobernados por un Dalai Lama muy especial: el misionero católico Francois Perrault, de la orden de los Capuchinos, que había arribado al Tíbet en 1734 y seguía vivo hacia 1930, fecha en que transcurre la mayor parte de la novela. Hugh Conway, joven cónsul inglés en la India, llega con otros tres británicos hasta este oculto valle tibetano después de un accidentado viaje en avión.
Cuando Conway vio Shangri-La, se enfrentó con una extraña y casi irreal aparición: un grupo de coloridos pabellones se agrupaban en la ladera de la montaña. Era soberbio y exquisito. Una contenida emoción llevaba la mirada desde los leves techos azules hasta la tremenda mole gris de la roca. Más allá, lo rodeaban los picos y pendientes nevados del Karakal.
En el antiguo monasterio budista, Conway y sus compañeros de viaje encuentran un lugar donde la reducida comunidad de lamas intenta conservar los tesoros de la civilización, amenazados por la violencia de una época en que el hombre, al regocijarse con la técnica del homicidio derramará una rabia tan ardiente sobre el mundo que toda cosa preciosa estará en peligro. El mundo que acababa de salir de la Primera Guerra Mundial y advertía la cercanía de nuevas tragedias que se trasluce en las páginas de Horizontes Perdidos, donde el idílico universo tibetano que construye Hilton no es una promesa de futuro, un rescate del pasado ideal, del paraíso perdido por la civilizaciín de la máquina.
Cuando Hilton ubica a su mítica Shangri-La en el Tíbet, los lectores occidentales de su novela fueron fascinados por ese mundo misterioso que desde antiguo había atrapado el interés de misiones y expedicionarios. Desde los principios del siglo XVI, los jesuitas intentaron llegar a esas altas mesetas cercanas del Himalaya donde se creía existía una antigua comunidad de primitivos cristianos.
Cuando finalmente el padre Antonio de Andrade logra atravesar mil obstáculos y acceder al prohibido reino de Guge, se encontró con los lamas, monjes budistas de muy extrañas y crueles costumbres: entre ellas, el asesinato deliberado de numerosos campesinos elegidos al azar, ceremonia que se cumplía una vez por año y mediante la cual los muertos alcanzaban la eterna felicidad. Asimismo, sorprendió a los misioneros europeos el hábito de los lamas de adornar sus vestidos con huesos humanos. A lo largo de los siglos siguientes, los jesuitas enviaron numerosas misiones al Tíbet para ser finalmente reemplazados, según orden papal, por la orden de los Capuchinos.
A principios del siglo XX, la escritora francesa Alexandra David-Nöel, gran conocedora de la religión budista, recorrió caminos escarpados y enfrentó lluvia, barro, nieve, granizo y la hostilidad de tibetanos, chinos e ingleses hasta llegar a las lamaserías. Libros suyos como Magia y misterio en el Tíbet contribuyeron a alimentar en Occidente la imagen legendaria de un país inaccesible y misterioso. A través de sus obras se difundió la capacidad de los monjes tibetanos para entrar en profundos trances, levitar y dominar las sensaciones corporales, como también la creencia de que podían predecir el porvenir, virtudes que Hilton atribuye a los lamas de Shangri-La.
En uno de sus relatos, David-Nöel describe cómo un lama se eleva en el aire en forma que parecía sobrenatural: Pude ver su rostro impasible, perfectamente tranquilo, con los ojos abiertos y la mirada fija en algún lugar muy elevado. El hombre no corría, parecía elevarse del suelo y avanzaba a saltos. Sus pasos tenían la regularidad de un péndulo.
Hay un «remake » de la película de Capra,de 1973 ,dirigido por Charles Jarrot.
Huyendo en avión de una revolución en un país asiático, un grupo de ingleses y americanos se estrellan en las inexploradas montañas del Himalaya, donde unos monjes tibetanos los rescatan y los llevan a la utópica Shangri-La, una sociedad perfecta.Buen remake del clásico homónimo dirigido por Frank Capra. Esta nueva versión es a colores y, a diferencia del film de 1937, traslada la acción de la China de 1935 (cuando la inminente II Guerra Mundial aleteaba en el ambiente) a la imaginaria Baskula (en el sudeste asiático) de principios de los setentas (en plena Guerra Fría, con un apocalíptico holocausto atómico amenazando a la civilización).
A su estreno se criticó que se optara por convertir la cinta de Frank Capra en una película musical. Sin embargo, este film posee un encanto difícil de superar. En cierto modo, resulta algo injusto tratar de compararlo con su original, pues ambas cintas funcionan respecto a la mentalidad y época en que fueron estrenadas.
Respecto a esto último caben destacar,para sus entusiastas partidarios, las inolvidables canciones en las que, al igual que en el vestuario, se nota una clara influencia del movimiento hippie americano.De todas formas,no gustó la película a todos.Woody Allen dijo: «Si volviera a nacer, haría exactamente todo lo mismo que he hecho hasta hoy… excepto ver el musical Horizontes Perdidos«.Para sus detractores, basta con escuchar su banda sonora, incalificable. Un canto a la cursilería más rancia y desfasada, ya no solo inadecuada para un año como 1973, sino probablemente para cualquier época. Los temas pop, festivos y «alegres», traspasan con creces los límites del puro ridículo. Por otra parte destaca el mensaje de esperanza de un posible mundo ideal, en un tiempo en que el planeta se hallaba dividido en dos bloques enemigos listos para destruir todo en una nueva Gran Guerra… que también podría ser la última.
Como dice uno de los personajes, refiriéndose a la existencia de Shangri-La: «Sí, lo creo. Y lo creo… porque deseo creerlo». Un mensaje tan válido hoy como en 1973.
En el Blog,tras personajes,reales y literarios que se evadieron del mundo de muy diversas formas ,un personaje de ficción,español y cinematográfico.»El anacoreta» del trío creativo formado por Azcona,Estelrich,y Fernán-Gómez.
Un hombre, cansado de la pompa y la vanidad de la vida y en pleno uso de sus facultades mentales, decide encerrarse en el cuarto de baño de su casa. Allí encuentra la comodidad y la libertad que buscaba. De vez en cuando da noticias suyas al exterior mandando mensajes por el inodoro. Cuando lleva once años encerrado, uno de sus mensajes llega a manos de la bellísima Arabel Lee…
El único largometraje dirigido por Juan Estelrich y una de las más curiosas, apasionantes y fascinantes películas en la historia del cine español. Es la historia de un hombre (genial, divertido, único Fernán Gómez) que vive como un anacoreta, encerrado durante 11 años en el cuarto de baño, el cual ha amoldado como si de un apartamento se tratase. Solo se comunica a través de mensajes lanzados a través del retrete, hasta que uno de ellos llega a la bella Arabel Lee (Martine Ando), la cual decide conocerle y convertirse en su reina de Saba.
«El anacoreta», situación tras situación, deviene en un feroz surrealismo que concluye en una reflexión sobre los dos sexos, surrealista también. Estelrich y Azcona hacen un guión espléndido dónde se alcanzan cotas de magnífico y magistral realismo tragicómico y cotas de kafkiana brillantez y divertido sarcasmo.
La película pregunta en voz alta: ¿Quién es más libre y lúcido: el anacoreta o los demás, que acaban allí, encerrados con él, dependientes de él, falseados en su hueca independencia?; ¿Quién es, pues, transitoriamente más feliz: el anacoreta o los demás?. Y hay que ver que los demás que conviven con él son su propia mujer, la chacha y el amante consentido de su mujer.
«El anacoreta» es, aunque no lo parezca, una historia de amor imposible, hermosa, surrealista, hermética, a la par que amplia. Regada de golpes de humor geniales (la segunda visita de Anabel con el amante en la bañera, la visita del coro flamenco, esos chándals de Fernán Gómez…) es una obra maestra de nuestro cine, una anacoreta en su estilo desmañado, poco académico, pero realmente medida y calculada al milímetro para acabar siendo un (anti)clásico de nuestro cine, un film de culto.Montada para el lucimiento de Fernán Gómez, es una película tiene tres padres, Rafael Azcona, Juan Estelrich y el propio Fernando Fernán Gómez,convierten una idea original, un estudio sobre la soledad, en una gran comedia tragicómica, un sainete en el que lo grotesco roza una humana poesía y en ocasiones el clásico esperpento.
Fernando Fernán Gómez interpreta a un «anacoreta laico», escéptico y socarrón en esta tragicomedia de Rafael Azcona, que logra redactar un sólido manifiesto visual de costumbrismo mágico y libertario. Un cuarto de baño es convertido en recinto poético de las utopías fracasadas (hay referencias al fracaso del marxismo) en el que Fernando Tobajas se aísla del mundo exterior, a medio camino entre el anacoreta clásico y el «hikikomori» de la era electrónica. Además del desencanto ante la posibilidad de una revolución política, el desenlace del film quizás también quiere representar el destino del artista y la imposibilidad de redención por el amor. Martine Audo (Arabel Lee), una intérprete prácticamente inédita, viene a ser aquí algo así como la sombra moderna de Beatriz y proporciona las inevitables referencias al destape.
Sinopsis:
Un hombre de cierta edad, Fernando Tobajas, decide cierto día vivir en el cuarto de baño, que ha modificado de forma que parezca un pequeño apartamento y no salir nunca de él.
Es un hombre que ha renunciado a todo, excepto a su vanidad y sus contactos con el mundo se reducen a las visitas de los amigos y a los mensajes que envía encerrados en una botella, por el retrete con la esperanza de que alguien lo reciba y sepa así que él existe.
Arabel Lee, una chica preciosa, encuentra uno de estos mensajes; uno en el que este moderno anacoreta hace una reflexión sobre San Antonio y la Reina de Saba.
Arabel, decide visitarle y jugar a ser la Reina de Saba.
El amante de la chica, que no se resigna a perderla, ingenia un sistema para recuperar a Arabel; deja al anacoreta a solas con ella, sin servicio y sin dinero.
Ambos descubren que la relación no durará mucho: Fernando, fuera del baño, sería un tipo vulgar y sin ningún interés y, por otra parte, ¿Cómo ofrecería a Arabel el tren de vida al que ella está habituada?
Esta película es en verdad una obra de teatro filmada, toda ella se representa en un cuarto de baño, donde un hombre se ha recluido de por vida. Y es una obra de teatro con mucha enjundia filosófica, se nota el ingenio del guionista Rafael Azcona en toda ella. De principio a fin hay que estar atentos al constante discernimiento sobre la tentación o las fuerzas poderosas (ya vitales ya de intereses de todo tipo) que tientan al ser humano que se ha marcado un objetivo de ir contracorriente.
Cuenta G. Flaubert en su novela «La Tentación de San Antonio» que siendo éste un anacoreta en el desierto de Egipto, se le apareció en visión cautivadora la bella Reina de Saba, quien le dijo al santo: «Si posas un dedo sobre mi espalda, sentirás un reguero de fuego en tus venas. La posesión de la más pequeña parte de mi cuerpo te hará más feliz que la conquista de un Imperio. Mis besos tienen el gusto de un fruto que se funde en el corazón. Embriagado por el aroma de mis senos, arrobado en la contemplación de mis miembros, abrasado en mis pupilas, te sentirás arrastrado por un torbellino». San Antonio logró con una simple señal de la cruz, quizá por ser una visión, no una mujer de carne viva y sabrosa, que la tentadora Reina se fuera huyendo. Pero el anacoreta de este film, o cualquier otro hombre, ¿resistiría a la imantadora Reina de Saba si se presentara en el lugarcito donde uno se ha apartado del mundo, y nos camelara con sus encantos poderosos y la intención de hacernos salir de nuestra opción de ser distinto para conducirnos a ser como la mayoría: o sea uno más de los que nos volvemos locos ante la visión de dos tetas firmes y nos vamos de cabeza al matadero del «matrimonio» y luego a esclavizarnos como borregos para sostener el tinglado económico-sexual donde hemos caído? Aquí está el meollo de esta obra de J.Estelrich y R.Azcona.
La película está magistral y filosóficamente compendiada entre dos máximas: la primera de Anatole France: «En aquellos tiempos [siglos III-IV d.C.], todos los desiertos estaban llenos de anacoretas», y la segunda del propio personaje, el anacoreta laico de este film, Fernando Tobajas: «Vendrán tiempos en que todos los retretes estarán llenos de anacoretas». Como puede apreciarse son máximas con un mismo quid de la cuestión que ha cambiado de sentido y hay que captar su profundidad reflexiva.
Mención especial para la actriz que hace de Arabel, la bella tentadora e irrepetible Martine Ando, quien muestra su preciocísimo cuerpo desnudo. ¿Logrará esta «carne espléndida» sacar al bueno de Fernando F. Gómez de su pachorra espiritual? Esto sólo se sabe viendo entera esta lúcida y agudísima obra de teatro-película, que ha sido muy desconsiderada por los críticos; si la hubiese firmado Mornau, Tarkovsky o Almodóvar, sin cambiar un ápice del guión y con el mismo escenario y simplicidad, llevarían algunos especialistas cinematográficos, unos treinta años, lanzándole alabanzas hasta la saciedad de todas las saciedades.
Según cuenta Juan Estelrich (hijo) en su conferencia sobre la película El anacoreta, pronunciada en El Escorial con motivo de la celebración de los Cursos de Verano que la Universidad Complutense de Madrid realiza allí cada año, el origen de la película radica en el proyecto que Alfredo Matas le propone a su padre para realizar una película con catorce millones de pesetas. “Para eso hago una peli seria, aunque tenga que rodarla en un cuarto de baño” dijo Azcona. Dicho y hecho. Azcona comenzó a escribir el guión junto con Juan Estelrich, basado en el libro de Flaubert titulado La tentación de San Antonio, pero como no tenían un gran presupuesto, sustituyeron el desierto por un cuarto de baño y a San Antonio por Fernando Fernán Gómez, que accedió a hacer la película encantado. La figura de la reina de Saba fue encarnada por la bella modelo Martine Audo, que debutó como actriz en esta coproducción francesa.
En esta película las tentaciones son, principalmente, el amor, (La reina de Saba) y el dinero, el poder, representado por el marido de Anabel Lee (el famoso actor francés Claude Dauphin). Siguiendo la idea de Buñuel, buscaron una música accidental para la película, que no surgiese de la nada, sino que estuviese dentro de la acción de la misma. A pesar del poco presupuesto con el que contaban para hacer la película, El anacoreta logró recaudar una gran suma de dinero, ya que estuvo 25 semanas en cartel, algo insólito para la época. El encanto de la película reside en la gran cantidad de planos que se toman para realizarla, a pesar de haberse rodado en un espacio muy pequeño, sin que la película resulte por ello agobiante y aburrida.
Un cantante con fama de bohemio y una joven artista de circo enamorados, se ven involucrados en un misterioso asesinato.
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Imagínate que eres esa persona
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